Descubre las posibilidades, principales referencias y cómo iniciarse en la fotografía híbrida
La fotografía híbrida es la mezcla de fotografía impresa con otras técnicas artísticas, cuyo objetivo es crear una nueva capa de sensaciones y significados. El término híbrido se tomó prestado del campo de la biología, donde se suele emplear para hablar de la mezcla entre distintas especies de plantas o animales.
Esta mezcla llegó al universo de las Artes y se ganó el nombre de técnica mixta, o mixed media. El concepto se emplea cuando un artista utiliza varias técnicas en una misma obra. Por ejemplo, bordado y pintura o acuarela con fotografía.
La fotografía híbrida o mixed media es, por tanto, el resultado de la mezcla de técnicas dependiendo de la intención de una obra, lo que permite ampliar sus significados e interpretaciones.
Orígenes del concepto mixed media
El uso de mixed media comenzó alrededor de 1912 con los collages y las construcciones cubistas de Pablo Picasso y Georges Braque, y se popularizó junto con la idea de que el arte puede y debe ser visto como experimentación.
En la obra Naturaleza muerta y juego de cartas, de Georges Braque, por ejemplo, se utilizan tiras de madera lisa y veteada, envoltorios de puros con etiquetas y una página de periódico transformada en naipe.
Una variante de esta técnica artística es el collage, que también puede verse en el dadaísmo, el surrealismo y el pop art, y que todavía se utiliza hoy en día.
El primer registro de este uso en el mundo de la fotografía fue en 1990, en París, por Raymond Bellour. En su libro Passages de I'Image se refiere al término "hibridación" como una mezcla de medios y lenguajes.
Hoy en día, la disciplina cuenta con varios nombres de referencia en sus más variadas áreas. En la mezcla de hilos con imágenes impresas, por ejemplo, destaca el nombre de Maurizio Anzeri.
Este artista italiano contemporáneo, afincado en Londres (Inglaterra), también conocido como Maurizio Anzerinow, crea sus obras cosiendo directamente sobre fotografías vintage. Como las fotografías no son de su autoría, la atención se centra en los bordados y en las emociones y sentimientos que pretende transmitir a través de ellos.
Para la poeta visual, fotógrafa y escritora Danny Bittencourt (@dannybbittencourt), que en Domestika imparte los cursos Fotografía híbrida para la experimentación creativa, Fotografía profesional: gestión de la carrera para autónomos y Autorretrato fotográfico Fine Art, la fotografía híbrida encaja con comodidad en un contexto contemporáneo:
"La fotografía híbrida es un lugar en el que hay cabida para el mestizaje, rico en posibilidades y desdoblamientos. Un campo propicio para pensar en la creación de imágenes desde un lugar menos sólido y más expandido".
Para conseguir estos resultados, se pueden utilizar técnicas y soportes como la proyección, el papel y el metal, la pintura o el collage.
Es importante señalar que los mixed media no son lo mismo que los multimedia. Mientras que los primeros se refieren a la mezcla de técnicas analógicas, los segundos consisten en la mezcla de técnicas digitales, como el vídeo, la imagen y el sonido.
Consejos esenciales para iniciarse en la fotografía híbrida
Si no sabes cómo empezar a hacer realidad tus proyectos de fotografía híbrida creativa, Danny Bittencourt comparte algunos consejos esenciales y muy valiosos.
Aprovecha esta oportunidad para explorar las infinitas posibilidades de experimentación de esta disciplina de expresión artística visual.
Técnicas formales
1. Haz la foto base con un fondo claro, imprime en papel canson y utiliza técnicas de dibujo.
2. Realiza la foto base, imprime en papel de oficina u offset y pinta con pintura acrílica (además del color, explora las texturas y la relación con la luz).
3. Utiliza fotos antiguas reveladas, explora los cortes y las superposiciones con la técnica del collage.
4. Revela tus imágenes preferidas y utiliza la técnica del bordado para profundizar en la narrativa.
"Si no eres muy hábil en esas áreas, utiliza las técnicas de forma más intuitiva, explora el trazo, el recorte y las pinceladas”, recomienda Danny.
Técnicas informales
1. Coloca los objetos encima de la fotografía impresa: hojas, granos, suciedad, flores… Haz que el contenido de la imagen interactúe con estos objetos.
2. Imprime la imagen en papel fino y ve distorsionando y creando narraciones al arrugarlo.
3. Introduce la fotografía impresa con láser en papel de gramaje superior a 180 g en café para darle un toque de antigüedad.
4. Deja caer gotas de CERA PARA VELAS sobre la fotografía revelada, trabajando el relieve y la textura.
5. Coloca objetos metálicos sobre la imagen impresa con un poco de sal y agua para que queden marcas de óxido en la fotografía.
Gestos
1. Coloca la imagen impresa para que interactúe con diferentes tipos de luz y sombra.
2. Quema la imagen y fotografía el proceso.
3. Coloca la fotografía en el horno y haz un seguimiento del cambio de color, la aparición de burbujas, etc.
4. Congela la imagen y trabaja con los desdoblamientos durante el proceso de descongelación.
5. Moja la imagen y ponla en un lugar húmedo para que se moldee.
En este tutorial, Danny Bittencourt muestra cómo algunos de estos sencillos elementos —café, cera de vela y agua oxidada— producen resultados hermosos y únicos. ¡No te lo pierdas!
Colorear fotos con acuarela
Como hemos visto, la pintura y la fotografía son dos recursos del lenguaje visual que pueden utilizarse conjuntamente para crear universos más allá del mundo real, estimulando la creatividad y la imaginación.
La técnica de pintar sobre fotografías es la especialidad de la documentalista, directora de fotografía, fotógrafa y artista visual brasileña Carine Wallauer (@wallauercarine).
Para la profesora del curso Coloreado de fotografías con acuarela, "combinar los registros de imágenes y las técnicas de pintura con acuarela permite experimentar una serie de nuevas sensaciones al trabajar con tonos y texturas".
¿Quieres explorar el universo del coloreado fotográfico en acuarela? Echa un vistazo a los materiales esenciales para empezar.
Materiales básicos para colorear fotos con acuarela
Acuarelas líquidas
Necesitarás acuarelas líquidas de varios colores. Es distinta a la utilizada para las ilustraciones en acuarela, normalmente sólida, pero también es fácil de encontrar.
Pinceles
Se utiliza para pintar los detalles. Es interesante contar con pinceles de diferentes tamaños, pero recuerda: opta por cerdas suaves.
Bastoncillo de algodón y bolas de algodón
Utiliza estos materiales como herramientas de pintura. El algodón es útil para las áreas más grandes y el bastoncillo proporciona más control en áreas intermedias.
Dos vasos de agua
Elementos básicos para cualquier trabajo de pintura: un vaso se utiliza para diluir las pinturas y el otro para limpiar los pinceles.
Cinta de carpintero y tijeras
Para fijar la fotografía en la superficie sobre la que se trabaja.
Godet
También conocido como paleta, se utiliza al mezclar las pinturas.
Cuentagotas
Facilita el trabajo de poner la tinta y el agua en el godet.
Paño o papel de cocina
Pueden ocurrir accidentes, por lo que es importante tener siempre cerca un paño o papel de cocina. De este modo, no se corre el riesgo de dañar la obra en la que se está trabajando.
Cepillo de dientes viejo
Por último, un cepillo de dientes. Un recurso adicional, pero que permite crear "efectos especiales" en la imagen.
En este tutorial, Carine enseña dos técnicas de coloreado de fotos que puedes probar para crear tus propias obras. ¡No te lo pierdas!
Influencias e inspiraciones de Danny Bittencourt
Danny lleva 14 años trabajando en el campo de la fotografía artística, buscando una profundidad de significados y la excelencia técnica. Sus imágenes nacen de experiencias personales y de lo que la desborda, provocando una exposición con el objetivo de encontrar la fuerza y la validación de lo sensible dentro de su propia vulnerabilidad.
Ha realizado ocho exposiciones individuales y varias participaciones en exposiciones colectivas en Brasil, Buenos Aires y Venecia. En cuanto a la escritura, es autora de tres libros: Fotografia Fine Art (iPhoto Editora), Fotografia Híbrida (Independent) y A luz da janela (Chiado Books).
En su proceso creativo, Bittencourt utiliza el autorretrato con intervenciones digitales y fotografía híbrida para crear obras sensoriales, llenas de significados íntimos y provocativos. ¡Echa un vistazo a algunos de los nombres que la inspiran!
Helena Almeida
Helena Almeida (1934-2018) fue una artista visual portuguesa que comenzó su carrera a finales de la década de 1960. Se dio a conocer por ser una figura ineludible en la escena artística portuguesa contemporánea y estar en sintonía con las prácticas artísticas más avanzadas de la época.
"Helena Almeida se apropió de procesos híbridos para construir sus complejas narrativas y es una excelente referencia para que pensemos en el diálogo entre proceso y significación", considera Bittencourt.
Sofía Dimitrova
Sofía es una artista visual que trabaja principalmente con materiales tradicionales, como la tinta y el carboncillo. Su objetivo es capturar un estado de ánimo específico, la expresión de un personaje o una identidad.
Sus pinturas y dibujos figurativos mezclan la técnica realista con una temática más oscura, a menudo explorando el cuerpo humano.
Amy Friend
Amy es una artista canadiense que trabaja con diversas metodologías a través de la fotografía, la instalación y las colaboraciones.
Sus obras se han presentado en exposiciones, proyectos y festivales nacionales e internacionales, como Getxophoto Festival (España), Paris Photo con In Camera Galerie (Francia), Onassis Cultural Center (Grecia), ASPA (Cerdeña), DongGang Photography Museum (Corea del Sur), GuatePhoto (Guatemala), Monasterio de Tibães en los Encontros da Imagem (Portugal), Rodman Hall (Ontario, Canadá) y Photoville (Nueva York, EE. UU.).
Laurence Demaison
@laurencedemaison
A esta fotógrafa le gusta jugar con la fotografía y con la idea de la fotografía, utilizando generalmente varias técnicas a la vez, como el autorretrato y las intervenciones con agua, pintura o texturas. En su obra, rara vez vemos su rostro con nitidez, y nos encontramos con distorsiones del cuerpo de la fotógrafa.
Además de las técnicas de superposición, Demaison juega con la exposición de las fotos para crear movimientos y efectos completamente únicos, generando movimientos y escenas estáticas que se complementan y crean una especie de danza.
Influencias e inspiraciones de Carine Wallauer
La producción de Carine transita entre la técnica y la experimentación con imágenes, ya sean estáticas o en movimiento. Además, el color es un recurso lingüístico presente en su construcción narrativa y objeto de la mayoría de sus investigaciones de repertorio.
El interés por los procesos analógicos de la fotografía llevó a la documentalista, directora de fotografía, fotógrafa y artista visual brasileña al coloreado manual mediante acuarela, la técnica que más utiliza.
Sus obras se han presentado en diferentes plataformas digitales y publicaciones impresas internacionales. También ha participado en exposiciones colectivas en Brasil, Italia, Canadá, Turquía y Estados Unidos, además de haber realizado dos exposiciones individuales en Brasil.
También ha publicado de forma independiente tres fotolibros, cuyas ediciones se encuentran hoy en día agotadas. ¡Descubre algunas de sus principales influencias!
Ellen Rogers
Ellen Rogers es una fotógrafa británica cuyo trabajo es totalmente analógico, además de estar impreso y coloreado a mano. Además de sus fotografías y retratos más intimistas, Ellen es conocida como fotógrafa de moda y entre sus clientes se encuentran Vogue, VICE, Tank, i-D, Alice Temperley y muchos otros.
La fotógrafa también ha trabajado para instituciones como el British Journal of Photography y el Ashmolean Museum. Actualmente enseña fotografía de moda en la Universidad de las Artes de Bournemouth.
Alexandra Valenti
Alexandra vive entre Austin y Los Ángeles, en Estados Unidos, y posee un ojo fotográfico inigualable. Sus creaciones siempre mezclan imágenes vibrantes y de ensueño con colores igualmente fascinantes y personas que interactúan con la naturaleza.
Ha trabajado con marcas como Nike, Adidas, Nordstrom, Betsey Johnson, Free People, Urban Outfitters, UNIQLO, New York Magazine y Vogue Rusia, entre otras. Además, ha fotografiado a celebridades como Justin Timberlake, Sam Rockwell y Minnie Driver.
Shae Detar
Shae Detar es una experta en la creación de imágenes surrealistas, utilizando un proceso único de pintura a mano sobre sus propias fotografías. Las creaciones de Shae fusionan la fotografía y la pintura, exagerando los colores tanto de los paisajes como de los personajes retratados, sacándolos de la realidad y llevándolos a otros mundos.
Su trabajo ha sido publicado en numerosas revistas como Vogue Italia, Vogue Holanda, Marie Claire Italia, Interview Magazine, i-D, VICE, Dazed, Grazia, The New Yorker, Elle UK, Marie Claire, The Huffington Post, NY Magazine, Forbes y muchas más. ¿Quieres saber más sobre fotografía híbrida y otras disciplinas relacionadas? No te pierdas los cursos de fotografía artística de Domestika, despierta tu creatividad y convierte tus ideas en increíbles proyectos.
Versión en español de @laura_bernal_m
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