10 ejercicios de dibujo para mejorar la composición

Aprende a distribuir los elementos de una imagen, crear puntos de interés y dirigir la mirada con prácticas sencillas para entrenar tu criterio visual.

La composición es uno de esos aspectos del dibujo que suele pasar desapercibido cuando empezamos. Es habitual pensar que una buena ilustración depende únicamente de dominar la anatomía, la perspectiva o el color, pero la realidad es que una imagen puede estar perfectamente dibujada y, aun así, no conseguir transmitir lo que pretende.

Componer significa decidir cómo se organizan todos los elementos dentro del espacio disponible. Es elegir qué verá primero quien observa la imagen, qué recorrido seguirá su mirada y qué sensaciones despertará la escena. En otras palabras, la composición es el lenguaje silencioso que da estructura a cualquier dibujo.

La buena noticia es que este criterio visual también se puede entrenar. Igual que practicamos trazos o sombras, existen ejercicios específicos que ayudan a desarrollar la capacidad de tomar mejores decisiones antes incluso de empezar una ilustración definitiva.

A continuación encontrarás diez ejercicios sencillos, progresivos y adaptables a cualquier disciplina, desde el dibujo artístico hasta la ilustración, el cómic, el sketching o la pintura. No buscan crear obras acabadas, sino ayudarte a mirar tus composiciones con otros ojos. Conceptos básicos de composición que conviene conocer

Antes de comenzar, merece la pena familiarizarse con algunos conceptos que aparecen constantemente en ilustración y diseño. No son reglas obligatorias, sino herramientas para entender por qué algunas imágenes funcionan mejor que otras.

El punto focal es el elemento principal de la imagen, aquello que queremos que atraiga primero la atención. Para conseguirlo podemos utilizar contraste, tamaño, color o ubicación.

La jerarquía visual organiza la importancia de todos los elementos. No todo debe llamar la atención con la misma intensidad: una buena composición establece prioridades.

El equilibrio hace referencia a cómo se reparte el peso visual dentro de la imagen. Ese equilibrio puede conseguirse mediante la simetría o mediante distribuciones más dinámicas y asimétricas.

El espacio negativo es todo aquello que dejamos vacío alrededor de los objetos. Lejos de ser un espacio desperdiciado, ayuda a respirar a la composición y puede reforzar el protagonismo de los elementos principales.

Otros conceptos importantes son el ritmo, que crea sensación de movimiento mediante la repetición de formas; el contraste, que permite destacar determinadas zonas; la dirección de la mirada, que guía visualmente al espectador; y la profundidad, fundamental para crear escenas más creíbles.

No es necesario aplicar todos estos recursos en una misma ilustración. Lo importante es conocerlos para utilizarlos cuando realmente aporten algo a la historia que quieres contar.

1. Crea miniaturas rápidas de una misma escena

Objetivo
Explorar diferentes composiciones antes de desarrollar una ilustración. Piensa en una escena sencilla, como una persona leyendo bajo un árbol o una cafetería con varios clientes. En lugar de dibujar directamente la versión final, realiza entre seis y nueve miniaturas muy pequeñas, de apenas unos centímetros.

En cada una cambia el encuadre, la posición del personaje principal, el tamaño de los objetos o el horizonte. No te preocupes por los detalles: trabaja únicamente con formas básicas.

¿Qué aprenderás?
Descubrirás que una misma idea puede resolverse de muchas maneras. Este ejercicio ayuda a evitar quedarse con la primera solución y fomenta decisiones compositivas mucho más conscientes.

2. Trabaja únicamente con tres valores tonales

Objetivo
Mejorar la jerarquía visual.
Escoge una escena y dibújala utilizando únicamente tres tonos: claro, medio y oscuro. Olvídate de las texturas y los pequeños detalles.

Concéntrate en distribuir las grandes masas de luz y sombra hasta conseguir que el punto principal destaque claramente.

¿Qué aprenderás?
Si una composición funciona en blanco y negro con solo tres valores, probablemente seguirá funcionando cuando añadas color, texturas y detalles.

3. Convierte el espacio negativo en protagonista

Objetivo
Comprender el valor del espacio vacío.

Dibuja un objeto sencillo —como una planta, una taza o una figura humana— dejando amplias zonas vacías alrededor. Después realiza otras versiones modificando únicamente la cantidad de espacio negativo.

Observa cómo cambia la sensación de equilibrio, tensión o calma.

¿Qué aprenderás?
Aprenderás que los espacios vacíos también comunican y que, muchas veces, eliminar información hace que la imagen resulte mucho más clara.

4. Reinterpreta una escena con distintos encuadres

Objetivo
Analizar cómo el punto de vista modifica la narrativa.

Escoge una escena cotidiana y dibújala cuatro veces:

- Plano general.
- Plano medio.
- Primer plano.
- Encuadre poco habitual (desde arriba, desde abajo o parcialmente oculto).

¿Qué aprenderás?
Descubrirás que el encuadre cambia completamente la historia que cuenta una imagen y la emoción que transmite.

5. Practica la regla de los tercios

Objetivo
Explorar una estructura compositiva clásica.
Divide mentalmente el papel en una cuadrícula de nueve partes iguales mediante dos líneas horizontales y dos verticales.

Ahora coloca el protagonista cerca de una de las intersecciones, en lugar de situarlo exactamente en el centro.

Después prueba diferentes variaciones.

¿Qué aprenderás?
Comprenderás cómo pequeños desplazamientos pueden hacer que una composición resulte mucho más dinámica sin perder equilibrio.

6. Diseña una versión simétrica y otra asimétrica

Objetivo
Comparar dos maneras distintas de generar equilibrio.
Elige una misma escena y dibújala dos veces.
En la primera busca una composición completamente simétrica.

En la segunda rompe esa simetría compensando un elemento grande con varios pequeños o utilizando diferentes contrastes de luz.

¿Qué aprenderás?
Entenderás que equilibrio y simetría no significan exactamente lo mismo y que ambas soluciones pueden ser igualmente efectivas dependiendo del mensaje.

7. Guía la mirada mediante líneas y formas

Objetivo
Crear recorridos visuales.
Diseña una escena en la que distintos elementos conduzcan la atención hacia el protagonista.

Puedes utilizar:
- Caminos.
- Ramas.
- Sombras.
- Diagonales.
- Miradas de personajes.
- Nubes.
- Líneas arquitectónicas.

¿Qué aprenderás?
Comprobarás que muchas líneas no necesitan estar dibujadas literalmente para dirigir la mirada del espectador.

8. Simplifica una obra de referencia

Objetivo
Entrenar la observación.
Escoge una ilustración, una fotografía o una pintura que te guste.

Ahora olvida los detalles y redúcela únicamente a formas geométricas y grandes masas de color o de luz.
No copies el acabado; intenta descubrir la estructura que sostiene toda la imagen.

¿Qué aprenderás?
Empezarás a reconocer patrones compositivos que utilizan artistas profesionales y que suelen pasar desapercibidos cuando solo prestamos atención al dibujo.

9. Limita el número de elementos

Objetivo
Aprender a simplificar.
Realiza una ilustración utilizando únicamente cinco elementos importantes.

Antes de comenzar decide cuál será el protagonista y qué función tendrá cada objeto secundario.
Si un elemento no aporta nada, elimínalo.

¿Qué aprenderás?
Este ejercicio ayuda a evitar composiciones sobrecargadas y obliga a tomar decisiones más intencionadas.

10. Cuenta una historia en tres composiciones

Objetivo
Practicar la narrativa visual.

Piensa en una acción sencilla, por ejemplo:
- Una persona encuentra una carta.
- Lee su contenido.
- Sale corriendo.

Representa cada momento en una ilustración distinta modificando el encuadre, el tamaño de los personajes y la organización de los elementos.

¿Qué aprenderás?
Comprenderás cómo la composición puede cambiar el ritmo de una historia y reforzar la emoción sin necesidad de añadir texto. Cómo convertir estos ejercicios en una rutina de práctica

La clave no está en hacer un único ejercicio de forma esporádica, sino en convertir la composición en un hábito de observación. Una buena forma de empezar consiste en dedicar entre 15 y 30 minutos al día a una única práctica durante diez jornadas consecutivas.

Utiliza un cuaderno específico para este tipo de ejercicios y evita borrar constantemente. Las primeras ideas, incluso las que parecen menos acertadas, también forman parte del aprendizaje.

Cuando completes la serie, vuelve al primer ejercicio y repítelo con un tema diferente. Comparar tus resultados te permitirá detectar qué soluciones funcionan mejor y, sobre todo, entender por qué funcionan. Poco a poco empezarás a tomar decisiones compositivas de manera mucho más intuitiva. Errores frecuentes al trabajar la composición

Uno de los errores más habituales consiste en empezar por los detalles antes de definir la estructura general de la imagen. También es frecuente colocar todos los elementos en el centro sin preguntarse si esa decisión responde realmente a la intención de la escena.

Otro problema habitual es saturar la ilustración con demasiados objetos, haciendo que todos compitan por la atención. Del mismo modo, un punto focal pierde fuerza cuando los elementos secundarios tienen el mismo contraste, tamaño o nivel de detalle.

También conviene evitar aplicar reglas como la de los tercios de forma automática. Las herramientas compositivas funcionan mejor cuando responden a una intención concreta y no cuando se utilizan por costumbre. La composición también se entrena

Mejorar la composición no depende únicamente del talento o de la experiencia. Es una habilidad que se desarrolla observando imágenes, analizando cómo trabajan otros artistas y, sobre todo, practicando con frecuencia.

Cuanto más experimentes con encuadres, jerarquías visuales, espacios negativos o puntos focales, más natural resultará construir ilustraciones equilibradas y capaces de comunicar exactamente lo que quieres transmitir.

Si quieres seguir profundizando en estas técnicas, explora los cursos de dibujo, ilustración, sketching y narrativa visual de Domestika y continúa entrenando tu mirada creativa.

anna_ferreira_

Cómo dibujar un ojo realista con carboncillo: guía paso a paso con el método comparativo

Aprende a crear un ojo realista con carboncillo utilizando el método comparativo, una técnica esencial para mejorar tus retratos y desarrollar una observación más precisa.

El ojo es uno de los elementos más expresivos del rostro humano y, para muchos artistas, uno de los más desafiantes de dibujar. Conseguir que tenga proporciones correctas, volumen y profundidad requiere una buena técnica y, sobre todo, aprender a observar.

En este tutorial, Adrià Llarch comparte cómo dibujar un ojo utilizando el método comparativo, una herramienta fundamental en el dibujo de retrato que permite trasladar formas y proporciones al papel de manera precisa. ¿Qué es el método comparativo en dibujo?

El método comparativo consiste en analizar las relaciones entre las diferentes partes de una imagen antes de dibujar los detalles. En lugar de centrarse en un elemento aislado, se comparan tamaños, distancias y formas para construir una representación más fiel.

Esta técnica es especialmente útil en el dibujo realista y en el aprendizaje del retrato.

Paso 1: Construye las formas principales

Para comenzar, utiliza el carboncillo desde uno de sus extremos, realizando trazos suaves y rápidos.

Empieza ubicando las grandes masas del dibujo:

• El espacio que ocupa la ceja.
  La forma general del ojo.
  Los principales contornos.

En esta fase, no es necesario preocuparse por los detalles. El objetivo es establecer una estructura sólida. Paso 2: Define los contornos del ojo

Una vez colocadas las formas principales, comienza a separar las distintas partes del ojo:

• La línea de las pestañas.
  El párpado superior.
  La zona inferior del ojo.
  El iris y la pupila.
  

Trabajar de lo general a lo particular ayuda a mantener las proporciones correctas.

Paso 3: Añade los primeros valores de gris

Con la estructura ya definida, es momento de crear volumen.

Aplica una capa uniforme de carboncillo utilizando líneas finas y rápidas. El objetivo es generar una base tonal que permita construir las sombras posteriores.

Este paso aporta profundidad al dibujo y facilita las siguientes capas de trabajo. Paso 4: Difumina las transiciones

El difuminador es una herramienta clave para conseguir un acabado natural.

Suaviza las zonas de transición entre luces y sombras, especialmente alrededor del párpado y del contorno del ojo.

La ceja, al estar formada por pelo, necesitará un valor más oscuro para aumentar el contraste.

Paso 5: Recupera las luces con la goma

Uno de los detalles que aporta mayor realismo es el brillo del ojo.

Para conseguirlo, afila la goma hasta obtener una punta fina y elimina cuidadosamente parte del carboncillo en las zonas donde la fotografía de referencia muestra reflejos de luz.

Estos pequeños puntos blancos aportan vida y expresividad al retrato. Consejos para dibujar ojos realistas

Si estás empezando en el dibujo con carboncillo, estos consejos pueden ayudarte:

Observa antes de dibujar

Dedica tiempo a analizar proporciones y formas generales.

Trabaja por capas

Empieza con tonos suaves y aumenta la intensidad poco a poco.

Usa el difuminador con moderación

Demasiado difuminado puede hacer que el dibujo pierda definición.

Conserva los puntos de luz

Los reflejos en la pupila son fundamentales para conseguir un ojo realista.

El secreto está en la observación

Aprender a dibujar un ojo no consiste únicamente en copiar una fotografía, sino en entender las formas, los volúmenes y las relaciones entre cada elemento.

Gracias al método comparativo, al uso del carboncillo y a una construcción progresiva de luces y sombras, podrás crear retratos mucho más realistas y expresivos.

Con práctica y paciencia, dominarás una de las partes más complejas y fascinantes del dibujo artístico.

Si quieres profundizar en el retrato artístico y las técnicas de dibujo realista, descubre el curso online de Adrià Llarch en Domestika.

adriallarch

In memoriam José María Cruz Novillo

Laudatio de Alfonso Albacete en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

El pasado 2 de mayo de 2026 fallecía a los 89 años José María Cruz Novillo (Cuenca, 1936), considerado el diseñador gráfico más influyente de la España contemporánea. Suyas son las identidades visuales de instituciones y empresas como Correos, Renfe, Repsol, la Policía Nacional o los billetes de peseta del Banco de España, el puño y la rosa del PSOE y el escudo y la bandera de la Comunidad de Madrid, entre muchas otras. Escultor, pintor y grabador además de diseñador, recibió a lo largo de su carrera el Premio Nacional de Diseño (1997), la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2012) o el Laus de Honor (2023).

El lunes 22 de junio de 2026, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando celebró una Sesión Extraordinaria, Pública y Solemne en su memoria, honrando su figura como Académico Numerario —medalla número 54 de la Sección de Nuevas Artes de la Imagen—. La laudatio corrió a cargo del también académico y amigo del homenajeado Alfonso Albacete. Reproducimos a continuación el texto íntegro de su intervención. La retransmisión del acto puede verse en este enlace
________________________________________________________________

Señor director, señoras y señores académicos, familiares, amigas y amigos. Nos encontramos hoy aquí reunidos con la intención de honrar y celebrar la figura de D. José María Cruz Novillo, Excelentísimo Sr. Académico Numerario, con la medalla número 54 de la Sección de Nuevas Artes de la Imagen, en esta Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y así mismo manifestar el pesar que nos une ante la dolorosa pérdida de este gran diseñador, admirado y prolífico artista y por encima de todo entrañable persona, tanto para familiares como para amigos.

Ahora ya que solo le es posible habitar en el recuerdo y que su presencia no puede pasear por más territorio que nuestro pensamiento, no nos queda otra solución que recurrir a la memoria, para evocar a tan extraordinario ser, y de este modo poder seguir las huellas que felizmente nos fue dejando a lo largo de una intensa y fructífera vida.

Existe en el sintoísmo japonés, así como en otras religiones primigenias, la bella creencia de que, tras la muerte, el espíritu una vez liberado de su cuerpo físico, vaga errante por el mundo de los vivos, hasta fijar su alojamiento en algún lugar material y amado en vida, ya sea un árbol, un templo, un animal, un manantial o una roca. Y que los que lo perciben o saben de esa presencia invisible, con el fin de advertirlo a extraños y caminantes, colocan en el sitio una señal de algo relacionado con sus actividades en vida, que podía consistir en una escultura, un fajín, cordón o una tablilla con un poema o cualquier otro objeto que nos hable de su calidad como individuo. Es decir, un testigo o marca referente de los valores de la persona desaparecida.

En el caso de Pepe Cruz Novillo parece ser que este trabajo nos lo dejó ya hecho, que esas señales las fue dejando él mismo, y que desde sus inicios como diseñador fue configurando un paisaje lleno de nuevos hitos simbólicos de importante presencia en nuestras vidas en cualquier actividad diaria, ya consistiera en un viaje en ferrocarril o al cruzarse con un coche del Cuerpo Nacional de Policía, utilizar el Correo Postal, pagar con billetes del Banco de España, repostar combustible, ver la televisión o simplemente pasear por las calles del Madrid de hoy. Inteligente actividad fruto de un motor en marcha constante alimentado por el afán de dibujar, de ordenar, de entender el mundo en que vivía, una vida dedicada al estudio de las imágenes y a su percepción visual, un quehacer que parece venirle acompañando desde su más tierna infancia, ya que por su propio testimonio sabemos que en el colegio sus compañeros le llamaban pintamonas, lo que de alguna manera pudo incitarle a abrazar la profesión de dibujante. Aunque años más tarde en una larga espera, haciendo la cola para renovar el carnet de identidad caducado, se inclinase a cambiar la profesión de dibujante por la de escultor, un escultor que se autonombraba posdadaísta, trabajador de todas las materias incluyendo el tiempo y los sonidos, aunque fuesen sonidos que nada tenían que ver con la música, y resumía: "Un experto en nada, pintor de cuadrados y círculos, educado en la Escuela Superior de Autodidáctica y artista diseñador aquejado del síndrome de la ambigüedad". Un artista para el que sus trabajos en tres o dos dimensiones y media, o en otras superiores, igual consistían en dibujos, definitivos límites para colores planos, como en volúmenes, pieles invisibles de la materia, u otras nuevas organizaciones en la relación de espacio-tiempo del arte en las que se conjugan colores y sonidos y a las que bautizó con el nombre de CRONOCROMOFONÍAS. Una extensa y profusa práctica para la que prefería el nombre de realista antes que el de geométrica, consistente en la síntesis de líneas o volúmenes en un intento de buscar y hacer visible la esencia de las cosas.

Retomando el testigo del proceso que viene cabalgando desde tiempos remotos como la Prehistoria, Mesopotamia, el Mundo Árabe, el Renacimiento, la Bauhaus o por autores como Cezanne, Mondrian o Carl André, por poner algunos ejemplos hasta nuestros días en una batalla continua por materializar símbolos asociados a la realidad, sus manifestaciones y actividades, utilizando como arma principal la mirada y como fin último el de dominar el mundo existente.

Él mismo se preguntaba, ¿se puede crear una obra de arte estéticamente bella al servicio de un caso utilitario? Y se respondía: "tengo fe en que será posible", y continuaba reafirmándose como militante de la significancia en lucha contra la insignificancia. Seguidor de los pasos del discurso racionalista que exige que sea la función la que crea la forma y observador de la máxima de Platón que señala que la forma es el aspecto visible de la cosa, para conseguir acercarse lo más posible a que, en un estado ideal, la cosa coincida realmente con la idea.

Citaba antes el hecho del artista prehistórico inventando el dibujo, preocupado en poner el contorno a un bisonte o a un ciervo, es decir, definir con líneas a un ser vivo que por propia naturaleza no las posee, trasladarlo a las dos dimensiones, cuando como bien nos enseña la teoría de fractales esto no es posible, nada natural tiene medida convencional, ya que solo la tienen las construcciones humanas artificiales. Y sin embargo, haciendo caso omiso de estas advertencias, Pepe Cruz Novillo sí se atrevió a crear una geometría animal, un conjunto de contornos limpios y medibles para seres silvestres, un alfabeto animal con el que es posible rediseñar seres vivos e introducirlos en nuestro día a día ilustrando tazas y cajas de cerillas.

De igual manera que saltándose cualquier norma lógica de la publicidad cinematográfica, concibe un cartel para la película de Luis García Berlanga "La Escopeta Nacional" en la que trata a sus jocosos personajes (interpretados por actores altamente populares) como un ejército de emblemas o prototipos sociales repetibles, sin rostro y más próximos a los muñecos indicadores de toilette de hombre o mujer, o los que anuncian el peligro de accidente en los transportes públicos, que a personalidades de interés. Siendo cada uno como un representante anónimo en un conjunto de criaturas que se repiten en nuestro país, una ordenación o catálogo a la manera de un friso jeroglífico encontrado en alguna excavación arqueológica de lo contemporáneo.

Cuentan que Henri Rousseau, el pintor francés de principios del siglo pasado, le decía a Pablo Picasso: "Usted en egipcio y yo en moderno somos los dos más grandes artistas de nuestro tiempo", pues bien, es justo pensar que en el caso de Cruz Novillo se superponían en sus trabajos estos dos valores artísticos. El de egipcio, ya que si combinamos azarosamente sus logotipos y geometrías a la manera de las grandes construcciones faraónicas, podríamos fabricar enormes relieves murales que sin lugar a duda serían las más fieles y descriptivas crónicas del sentir de nuestra época, y moderno porque sus piezas siempre revestían el don de la novedad, el estigma de lo singular, de lo nunca visto, cuando simplemente buscaban lo estrictamente necesario para expresar la naturaleza de los conceptos, una especie de ética minimalista, en la relación entre ideas y formas, que parece acercarse a la certera sentencia formulada por el filósofo Inmanuel Kant: "El arte no es la representación de algo bello, sino la representación bella de algo".
Pongamos ahora otro singular ejemplo como la imagen corporativa y más concretamente la bandera que diseñó para la recién creada Comunidad de Madrid, en los años ochenta, que se sitúa mucho más cerca de la línea estética de pintores expresionistas abstractos o pop americanos como Frank Stella o Jasper Johns, a los que admiraba profundamente junto con Picasso, que a los rancios castillos, bandas de colorines u osos rampantes tan propios del gusto dominante de la posguerra en España.

También deberíamos detenernos en uno de esos subciclos, como él los llamaba, cuyos peculiares motivos, argumentos y estructuras están sacados de un conjunto de piezas musicales como boleros, tangos y otras músicas populares y que podríamos visualizarlos como canciones pintadas, músicas en dos dimensiones, sonidos trasladados al papel o coplas para sordos.

En otros lugares y siguiendo el camino del diseño tridimensional, que según él confesaba era su vocación oculta, emprendió un trabajo de escultura que no se redujo a la búsqueda poética de puros y nuevos volúmenes sino que complicó rápidamente el concepto asociándolo a un sistema de variables. Pongamos como ejemplo la colección de esculturas-silla donde manejando seis prismas diferentes y seis colores básicos en variaciones de seis elementos tomados de seis en seis y que tituló "Diafragma chair 30, opus 11". Consiste en un proyecto hexafónico de 46.656 piezas iguales pero diferentes. Un proceso de construcción conceptual que también lo aplicaría a imágenes de culto pertenecientes a pinturas históricas y, ya sin recato, tener el valor de aplicarles este proceso combinatorio y fragmentario, alterando obras tan emblemáticas como un bodegón de corte Cezanniano, el Descenso de la Cruz de Rogier Van der Weiden o el Bodegón con Cacharros de Francisco de Zurbarán, a las que obliga a olvidar su carácter de pieza única para reorganizarse en series o conjuntos de fragmentos en distintos órdenes sin perder necesariamente su contenido esencial básico.

Más tarde nos propondría un salto en el vacío, nunca mejor dicho, y complicarse en temas de riesgo de una dimensión superior sin planos ni volúmenes estables. Él nos dice que fue su trabajo con dibujos animados lo que le abrió el pensamiento a buscar esa cuarta dimensión y que, fuese como fuese o bajo el nombre de poesía espacial, crear un conjunto de obras a las que titulaba "Diafragmas" y en el que confluyen su declarada pasión por la poesía, la filosofía, la ciencia y la mecánica cuántica, en un extraño viaje de moderno a futurista con rumbo a esa lejana dimensión. Y organizar obras que se desarrollan en el tiempo y cuya similitud más próxima, aunque en otro sentido, la podríamos encontrar si nos uniéramos al infinito viaje, como en una carrera de relevos, de las imágenes de estrellas que estallaron hace millones de años y que hoy contemplamos su huella, en la cúpula de este mundo nuestro de tres dimensiones imposible de superar.

Tengo que reconocer que experimenté esa especial sensación de irrealidad asistiendo hace años a la puesta en escena de su obra "Diafragma heptafónico 3.612, opus 12" de siete notas, siete colores y siete horas de duración en los oscuros patios del Cuartel del Conde Duque dentro del marco de la celebración de la Noche en Blanco de Madrid. La de sentirme en un estado emocional que se me ocurría similar al sentido por los personajes de ciencia ficción de Steven Spielberg, en su película "Encuentros en la Tercera Fase" ante el espectacular aterrizaje de la monumental y luminosa nave extraterrestre entre párrafos musicales.

Mi amistad con Pepe Cruz Novillo empezó a forjarse en unas comidas-tertulias que organizábamos su colega y buen amigo Roberto Turégano, y yo mismo, en los años ochenta cuando éramos vecinos de estudio en la céntrica y popular calle de San Lorenzo y en donde todos los viernes convocábamos a amigos y conocidos en algún restaurante a comer y charlar. Pepe fue uno de los más fieles, asiduos y constantes contertulios. Tanto que, pasados los años, y como estos almuerzos se prolongaban en el tiempo y él los seguía frecuentando, con esa capacidad suya para darle categoría a las más humildes cuestiones o por aplicar la máxima de George Braque: "Primero encuentro y luego busco" o simplemente por ahondar en su propia creencia de que diseñar es poner las cosas en su sitio, inventó para estos encuentros un nombre de corte empresarial. VACAE, siglas que corresponden a las iniciales de la frase: Veinte años comiendo a escote. Y diseñó su imagen corporativa incluyendo un precioso logotipo que ha sido reproducido más tarde en libros sobre su obra como el inglés de Counter-Print, donde aparece catalogada como la marca comercial de un Artist Group, convirtiendo una anécdota en posiblemente la única comida de amigos de la historia con una imagen propia reconocida.

Me sorprendía que siendo persona de origen rural, de pueblo pequeño y ciudad de provincias, que creció como yo, lejos de lo urbano, se declarase un amante apasionado de las grandes ciudades: "mientras más grandes mejor", decía. Y lanzaba estas afirmaciones de forma muy directa sin citas ni referencias a otros autores, reflexiones de su propia cosecha como esa sentencia que solía repetir en diferentes ámbitos de que en nuestra sociedad se podían distinguir dos tipos de individuos: los insectos y los entomólogos. Él era un hombre más bien callado, poco conversador, aunque expresara con firmeza, cuando el tema le afectaba, esas opiniones tan suyas de forma ronca y tozuda, con una cierta actitud de eterno adolescente, cosa que desprendía también en su porte, en su categoría personal. Sorprendían sus apariciones, incluso en una edad avanzada, con una potente moto Harley Davidson y un largo gabán de cuero negro, mezcla del chico de la moto de la película "La Ley de la Calle" de Francis Ford Coppola y el Henri Fonda de los western almerienses de Sergio Leone. No es de extrañar, siendo bien parecido y con ese atuendo tan elegante, que en su juventud su amigo y compañero de trabajo el director de cine José Luis Borau escribiera una película pensando en él como galán protagonista, y que ante su negativa a interpretarla fuera sustituido por el conocido actor francés Jean Louis Trintignant.

Declaraba en una entrevista un colega suyo, el gran diseñador Miguel Milá, que la mejor definición del término "clásico", que a él le aplicaban frecuentemente y no terminaba de entender el porqué o su contenido, la obtuvo al preguntar a un maestro del toreo, conocido suyo, de lo que pensaba cuando hablaban en esos términos de sus faenas toreras. A lo que el maestro respondió tajante: "Lo clásico es lo que no se puede mejorar".

Pues bien, quiero apropiarme de esta definición porque resulta muy acertada si la aplicamos a la obra de Pepe Cruz Novillo, como artista y diseñador. Un clásico cuyos logros no se pueden mejorar, y al escribir estas palabras me viene a la cabeza también un poema perteneciente al gran Federico García Lorca, unos versos escritos como despedida o llanto por su amigo Ignacio Sánchez Mejías, otro torero, y que en la última parte, la del Alma Ausente en sus estrofas finales, describe con esas palabras tan clásicas, palabras que nadie ha podido mejorar, sentimientos de dolor y resignación que no solamente podemos compartir sino que voy a tener el atrevimiento de leer ante ustedes, hoy, para finalizar este acto. Dicen así:

Tardará mucho tiempo en nacer, si es que nace
un andaluz tan claro, tan rico de aventura.
Yo canto su elegancia con palabras que gimen
y recuerdo una brisa triste por los olivos.

Pues bien, podríamos repetir los mismos versos y pensar que tardará mucho tiempo en nacer un castellano de Cuenca, tan rico de aventura como José María Cruz Novillo, y conducir esa brisa triste del campo por las calles de una gran ciudad, después de haberse deslizado entre viejos olivos.

Madrid, 22 de junio de 2026.
Alfonso Albacete.

Identidad corporativa bi y tridimensional
CRUZ MÁS CRUZ

domestika

Los 10 estilos de lettering más buscados en 2026 (con ejemplos y cómo practicarlos)

Del brush lettering al estilo híbrido digital-analógico, descubre las tendencias que están marcando el lettering este año y aprende cómo empezar a practicarlas sin perder tu propia voz creativa.

El lettering no se está moviendo en una sola dirección, sino en muchas al mismo tiempo. Lo tradicional convive con lo digital, lo manual con lo automatizado y lo nostálgico con lo experimental. Esa mezcla está generando una gran variedad de estilos que no solo responden a criterios estéticos, sino también a nuevas formas de comunicación visual.

Este artículo reúne algunos de los estilos de lettering que más interés están generando en 2026. No como una lista cerrada ni definitiva, sino como una guía para observar, entender y practicar distintas formas de construir letras.
¿Por qué cambian los estilos de lettering que más interesan?

Los estilos de lettering no se vuelven populares por azar. Detrás de cada tendencia hay un contexto visual y cultural que la impulsa.

Las redes sociales aceleran la difusión de estilos, pero también su saturación. El branding busca cada vez más conexión emocional que perfección técnica. El packaging recupera códigos artesanales para generar cercanía. El mundo del tatuaje influye en la permanencia de ciertos estilos en la cultura visual. Y las herramientas digitales permiten mezclar procesos manuales con acabados cada vez más versátiles.

Los 10 estilos de lettering más buscados en 2026

1. Brush lettering expresivo

El brush lettering sigue siendo uno de los estilos más utilizados, pero en 2026 se aleja del acabado perfecto para acercarse a lo gestual y espontáneo.

Se ve especialmente en redes sociales, branding emocional y piezas con mensajes inspiracionales.Su fuerza está en la energía del trazo: transmite movimiento, emoción y presencia humana inmediata.

Para practicarlo, es más útil empezar con el gesto que con la letra. Trabajar líneas con presión variable, ritmos repetidos y palabras cortas ayuda a construir control antes de pensar en composición.

2. Copperplate contemporáneo

La caligrafía Copperplate mantiene su elegancia clásica, pero hoy se reinterpreta con más libertad y menos rigidez formal.

Es habitual verla en invitaciones, branding premium y proyectos editoriales que buscan un tono sofisticado.Su atractivo está en el contraste entre precisión y fluidez.

Para practicar, conviene trabajar primero mayúsculas y estructura básica antes de construir palabras completas, prestando atención a la inclinación y al contraste del trazo.

3. Serif decorativo vintage

Este estilo recupera la estética de la cartelería antigua y el diseño editorial clásico, con un enfoque ornamental.

Aparece con fuerza en packaging artesanal, marcas con estética heritage y proyectos editoriales con tono nostálgico.Funciona porque activa memoria visual y genera sensación de autenticidad.

Para practicarlo, es útil analizar referencias reales y reconstruir primero la estructura base de las letras antes de añadir remates o detalles decorativos. 4. Lettering inspirado en el graffiti

Este estilo toma la energía del graffiti pero la traduce a un lenguaje más legible y aplicable al diseño gráfico.

Aparece en moda, música y cultura visual urbana.
Funciona porque combina rebeldía visual con control compositivo.

Para practicarlo, conviene empezar explorando inclinaciones, ritmo y fluidez antes de trabajar detalles decorativos.

5. Hand-drawn irregular

El lettering irregular y dibujado a mano gana fuerza en proyectos que buscan cercanía y autenticidad.
Se utiliza en marcas independientes, ilustración editorial y proyectos con tono humano.Su valor está en la imperfección controlada.

Para practicarlo, es importante permitir variaciones, evitar la corrección excesiva y observar qué tipo de “errores” aportan personalidad.

6. Lettering 3D y con volumen

El lettering tridimensional se ha consolidado como una herramienta visual de alto impacto.Se usa en posters, portadas, motion graphics y piezas publicitarias.Su atractivo está en la sensación de presencia física.

Para practicarlo, es recomendable construir primero la letra plana y después añadir volumen como estructura, no como efecto decorativo. 7. Bubble lettering

Las letras redondeadas y volumétricas siguen ganando presencia en entornos digitales y culturales más jóvenes.
Se utilizan en moda, posters, contenido para redes y diseño urbano contemporáneo.Su atractivo está en su carácter ligero, accesible y muy visual.

Para empezar, lo importante no es la tipografía sino la forma: construir letras como volúmenes simples ayuda a entender su lógica antes de detallarlas.

8. Gothic o blackletter revisitado

La tipografía blackletter continúa evolucionando hacia versiones más controladas y adaptadas al diseño actual.

Es común en música, tattoo culture y moda alternativa.
Tiene una presencia fuerte porque transmite intensidad, historia y carácter.

Para practicarla, es clave entender primero la estructura vertical y el ritmo antes de añadir ornamentos o variaciones estilísticas.

9. Lettering minimalista monoline

El lettering monoline se basa en la uniformidad del trazo y la simplicidad visual.Se utiliza en branding digital, diseño editorial contemporáneo y sistemas visuales limpios.Su fuerza está en la coherencia más que en la complejidad.

Para entrenarlo, es útil limitar recursos: trabajar con una sola línea, controlar el espaciado y mantener consistencia en cada letra. 10. Lettering híbrido digital-analógico

Este es uno de los enfoques más actuales: partir de procesos manuales y finalizar en entornos digitales.Es habitual en branding contemporáneo y proyectos de redes sociales.Su valor está en el equilibrio entre lo humano y lo editable.

Para practicarlo, una buena dinámica es bocetar a mano, digitalizar y después experimentar con color, capas o distorsión. Cómo practicar estos estilos sin frustrarte

El error más común es intentar trabajar todos los estilos a la vez. Eso solo genera dispersión.

Es más eficaz elegir uno o dos estilos, repetir alfabetos parciales y trabajar palabras simples antes de composiciones complejas.Copiar estructuras puede ser útil como fase de aprendizaje, siempre que no se confunda con producción final.La evolución se entiende mejor cuando se documenta el proceso, no solo el resultado.

Cómo encontrar tu voz entre tendencias

Explorar estilos no te aleja de tu identidad, al contrario: te ayuda a detectar qué recursos visuales te interesan realmente.
La identidad en lettering no suele aparecer como una decisión, sino como una acumulación de elecciones repetidas.

Las tendencias en lettering no deberían verse como reglas a seguir, sino como oportunidades para ampliar el lenguaje visual.

Cada estilo es una forma distinta de construir ritmo, intención y emoción.
Conocer lo que está creciendo en 2026 no es una obligación estética, sino una forma de aprender nuevas maneras de escribir con intención propia.

Si quieres practicar y aprender de forma guiada y profesional encuentra tu curso de Caligrafía y tipografía en Domestika

anna_ferreira_

Descarga gratuita: ejercicios de musicalidad para danza

Descubre una serie de ejercicios para explorar la relación entre música, ritmo, cuerpo e imaginación creativa a través del movimiento

En danza, la música puede convertirse en mucho más que una guía para marcar tiempos. También puede sentirse a través de la respiración, el peso del cuerpo, la energía de cada gesto o la intención con la que nos movemos. Aprender a escuchar desde el cuerpo abre nuevas posibilidades de expresión y hace que cada movimiento cobre un significado diferente. Con la descarga gratuita "Ejercicios de musicalidad: La música, ¿se cuenta o se siente?", descubrirás propuestas prácticas para desarrollar una relación más consciente y creativa con el ritmo y el movimiento. ¿Qué encontrarás en esta descarga gratuita?

Este recurso reúne una serie de ejercicios pensados para entrenar la musicalidad desde la experiencia corporal. En lugar de ofrecer una secuencia rígida o una metodología única, propone diferentes formas de explorar cómo responde el cuerpo ante distintos estímulos sonoros.

A través de las actividades podrás practicar la escucha activa, reconocer ritmos, pausas y acentos, experimentar con distintas calidades de movimiento e improvisar a partir de la música. También encontrarás propuestas para observar cómo cambian tus sensaciones cuando modificas el tipo de música o decides prestar atención a un aspecto concreto, como la respiración, la energía o el silencio. La intención es que adaptes cada ejercicio a tu nivel y descubras tu propia manera de relacionarte con el sonido. La música, ¿se cuenta o se siente?

En muchas clases de danza aprendemos primero a contar. Los compases, los tiempos y las estructuras rítmicas son herramientas muy valiosas para coordinar movimientos, memorizar coreografías y trabajar con precisión. Sin embargo, la musicalidad va un paso más allá.

Sentir la música implica percibir su intensidad, sus cambios de energía, los silencios, la dirección que propone o la emoción que transmite. Cuando el cuerpo comienza a responder a esos matices, el movimiento deja de ser únicamente una ejecución técnica para convertirse en una interpretación.

Contar y sentir no son dos caminos opuestos. De hecho, cuanto mejor comprendemos la estructura musical, más libertad tenemos para jugar con ella. La combinación entre precisión técnica y escucha corporal permite desarrollar una danza más rica, expresiva y personal, donde cada movimiento dialoga con la música de una forma auténtica. ¿Por qué trabajar la musicalidad mejora tu danza?

Dedicar tiempo a entrenar la musicalidad transforma la manera en que nos relacionamos con el movimiento. No solo mejora la coordinación entre cuerpo y música, sino que también desarrolla una escucha más profunda que influye en la calidad interpretativa.

Al practicar este tipo de ejercicios aprenderás a reconocer mejor las pausas y los acentos, descubrirás nuevas posibilidades dentro de una misma secuencia y ganarás recursos para improvisar con mayor confianza. También aumentarás tu conciencia corporal y evitarás que los movimientos se vuelvan automáticos o repetitivos.

Con el tiempo, esta práctica ayuda a crear coreografías más sensibles al ritmo y a la atmósfera musical, favoreciendo una presencia escénica más sólida y una expresión corporal más rica. La musicalidad no consiste únicamente en seguir una canción, sino en construir una conversación entre el sonido y el cuerpo. Cómo utilizar los ejercicios de musicalidad

Puedes incorporar este recurso a tus entrenamientos habituales o utilizarlo como práctica independiente siempre que quieras profundizar en tu relación con la música.

Comienza descargando el material y elige una pieza musical que te resulte inspiradora. Antes de empezar, lee el ejercicio completo para comprender cuál es el objetivo de la propuesta. Después, realiza la práctica sin preocuparte por la precisión o el resultado final. En una segunda repetición, centra toda tu atención en un único elemento, como el ritmo, la respiración, las pausas, los acentos o la energía del movimiento.

Cuando termines, dedica unos minutos a observar qué has sentido durante el ejercicio. Repite la misma propuesta con otra música y compara cómo cambia tu forma de moverte. Recuerda que todos los ejercicios pueden adaptarse a la movilidad, experiencia y necesidades de cada persona, por lo que no existe una única forma correcta de realizarlos. Prueba este ejercicio: cuenta, siente y transforma

Antes de descargar el recurso completo, puedes comenzar con una propuesta sencilla para despertar tu escucha corporal.

Elige una canción de corta duración y escúchala una primera vez sin moverte. Trata de identificar el pulso principal, los cambios de intensidad y los acentos que más llamen tu atención. En la segunda escucha, empieza a marcar suavemente el ritmo utilizando una parte del cuerpo, como las manos, los pies o la cabeza.

Después vuelve a reproducir el mismo fragmento, pero esta vez olvida el conteo. Permite que el movimiento aparezca de forma natural respondiendo a la respiración, la energía de la música, las pausas o las emociones que te despierta. No busques una coreografía perfecta; simplemente observa cómo cambia tu cuerpo cuando deja de controlar cada tiempo.

Al terminar, hazte una pregunta: ¿qué información aparece en tu cuerpo cuando dejas de contar y empiezas a sentir la música? Esa reflexión será el punto de partida para seguir profundizando con el resto de ejercicios del descargable. Aprende a desarrollar técnicas de danza e imaginación creativa

Si quieres seguir explorando la relación entre cuerpo, técnica e imaginación, el curso Desarrolla técnicas de danza e imaginación creativa de Domestika ofrece una propuesta práctica para ampliar tus recursos expresivos. A lo largo de sus lecciones descubrirás herramientas para desarrollar la improvisación, potenciar tu creatividad y construir un lenguaje de movimiento más personal, integrando la musicalidad como una parte esencial de la experiencia escénica.

Tanto si estás dando tus primeros pasos en la danza como si ya cuentas con experiencia, el curso te ayudará a descubrir nuevas formas de interpretar la música desde el cuerpo y a enriquecer tu práctica artística.

Empieza a escuchar la música de otra manera

La musicalidad no se limita a contar tiempos. También nace de la relación entre el sonido, la respiración, la imaginación y la presencia corporal. Descarga gratis estos ejercicios, experimenta con distintas músicas y descubre cómo pequeños cambios en la escucha pueden transformar por completo tu manera de bailar. Después, continúa profundizando en esta forma de entender el movimiento con el curso Desarrolla técnicas de danza e imaginación creativa de Domestika.

Descarga los ejercicios de musicalidad, elige una música y empieza a explorar cómo el cuerpo puede contar, sentir y transformar el sonido en movimiento.

anna_ferreira_

Lives de julio en Domestika: aprende, crea e inspírate con nuestros expertos

Este mes de julio llega cargado de inspiración con una nueva programación de lives gratuitos en Domestika.

Durante las próximas semanas podrás descubrir técnicas, procesos creativos y consejos de profesionales de distintas disciplinas, desde ilustración y diseño hasta artesanía, lettering, fotografía y mucho más.

Tanto si quieres aprender una nueva habilidad como si buscas un impulso para tu creatividad, estos directos son una oportunidad perfecta para conectar con la comunidad, resolver dudas en tiempo real y conocer de cerca el trabajo de algunos de nuestros profesores.

De la acuarela al cómic web con Tony Moy | 7 julio | EN | 4 PM (ES)

¿Cómo se convierte una pintura tradicional en acuarela en un cómic listo tanto para la web como para su impresión?

En esta sesión en directo, Tony Moy compartirá el proceso creativo que hay detrás de «4forty2nd», su novela gráfica en acuarela inspirada en los batallones japoneses-estadounidenses que lucharon durante la Segunda Guerra Mundial.

La sesión comenzará con una demostración de acuarela tradicional y, a continuación, pasará a un flujo de trabajo con pantalla compartida en el que se mostrará cómo se edita y adapta la obra para dos formatos de publicación diferentes: cómics web e impresión.

A través de este proceso, Tony explorará cómo cambian las decisiones sobre maquetación, presentación y narración en función del formato final, al tiempo que mostrará cómo las técnicas tradicionales pueden combinarse con los flujos de trabajo de la publicación digital. Entender primero, diseñar después con Arutza Rico Onzaga | 8 julio | ES | 5 PM (ES)

Antes de diseñar una marca, es necesario comprender las historias que comunica y cómo se posiciona frente a sus competidores.

En este Live, Arutza Rico Onzaga realizará un análisis estratégico en vivo utilizando el caso de Cáscara Tech. A partir de sus productos, sitio web y presencia en Instagram, explorará las narrativas que construyen la marca y las comparará con las de otros actores del sector.

A través de este ejercicio, mostrará cómo identificar patrones, oportunidades y posibles espacios de diferenciación para desarrollar marcas más relevantes y con un posicionamiento más sólido. Supera el miedo a hablar en público con Dasha Dollar-Smirnova | 9 julio | EN | 4 PM (ES)

El miedo a hablar en público es uno de los retos más comunes a los que se enfrentan las personas, y afecta a la confianza, la visibilidad y el crecimiento profesional. La buena noticia es que se puede gestionar con las herramientas y técnicas adecuadas.

En esta sesión en directo, Dasha Dollar-Smirnova compartirá estrategias prácticas para ayudarte a sentirte más seguro a la hora de hablar delante de otras personas. A través de ejercicios sencillos y consejos prácticos, aprenderás a gestionar la ansiedad, a replantearte los pensamientos negativos y a utilizar el lenguaje corporal para proyectar una imagen más segura.

Tanto si tienes que hacer una presentación en el trabajo, intervenir en reuniones o prepararte para dirigirte a un público más amplio, esta sesión te ayudará a dar pasos pequeños pero significativos para convertirte en un comunicador más eficaz. Cómo crear una presentación de inversión ganadora con Zach Grosser | 14 julio | EN | 4 PM (ES)

Una buena presentación de venta es mucho más que una simple sucesión de diapositivas. Es una historia cuidadosamente elaborada y diseñada para un público específico.
En este seminario en directo, Zach Grosser desglosará el proceso de creación de una presentación de venta eficaz, desde la elección de las herramientas y el flujo de trabajo adecuados hasta el perfeccionamiento del contenido y su exposición con confianza. Compartirá consejos prácticos sobre cómo estructurar tus ideas, construir una narrativa convincente y crear presentaciones que comuniquen de forma clara y persuasiva.

A lo largo de la sesión, aprenderás a adaptar tu presentación a diferentes públicos, a simplificar información compleja y a utilizar el diseño visual para reforzar tu mensaje.

Tanto si vas a presentar un proyecto creativo, una idea de negocio o una nueva iniciativa, esta sesión te ayudará a crear presentaciones más atractivas e impactantes. Mejora tus acuarelas con Reha Sakar | 14 julio | EN | 5 PM (ES)

Mejorar en acuarela va más allá de la técnica: también tiene que ver con la composición, la confianza y la comprensión de cómo funcionan las pinturas.

En esta sesión en directo, Reha Sakar explorará los principios clave que pueden ayudarte a reforzar tu práctica de la acuarela, desde la creación de composiciones más sólidas hasta la comprensión de la relación entre los valores y el color.

La sesión también se centrará en desarrollar la confianza a la hora de pintar y en tomar decisiones que aporten más claridad y estructura a tu trabajo.

Participa en la sesión para profundizar en tu comprensión de la acuarela y descubrir ideas prácticas para mejorar tus pinturas. Cómo poner en marcha tu negocio de joyería con Elsa Tierney | 15 julio | EN | 4 PM (ES)

Poner en marcha un negocio de joyería implica mucho más que crear piezas bonitas. Desde elegir las herramientas adecuadas hasta definir tu marca y desarrollar una estrategia a largo plazo, cada decisión contribuye a dar forma a un negocio creativo y sostenible.

En esta sesión en directo, Elsa Tierney compartirá su experiencia en la creación de un negocio de joyería y ofrecerá consejos prácticos a los creadores que estén empezando o que busquen hacer crecer su marca. Hablará sobre cómo encontrar tu nicho de mercado, cómo abordar las redes sociales y cómo equilibrar la visibilidad con las ventas, al tiempo que desarrollas un negocio que refleje tu visión creativa.

Tanto si te encuentras al principio de tu andadura como si estás perfeccionando tu negocio actual, esta sesión te proporcionará información valiosa sobre las realidades de gestionar una marca de joyería. Novedades de Canva para gestionar tareas con Rosa Liarte | 20 julio | ES | 4 PM (ES)

La inteligencia artificial está ampliando las posibilidades creativas dentro de Canva, permitiendo transformar imágenes, generar nuevas propuestas visuales y acelerar procesos de diseño de forma sencilla.

En este Live, Rosa Liarte mostrará cómo utilizar algunas de las herramientas de IA más potentes de Canva para editar y mejorar imágenes. Descubrirás cómo funciona la herramienta de clon de estilo, cómo aplicar la edición de imágenes con IA y cómo aprovechar el potencial de las funciones de Multimedia Mágico para crear contenidos visuales de manera más rápida y creativa.

Una sesión práctica para explorar nuevas formas de trabajar con imágenes y sacar el máximo partido a Canva gracias a la inteligencia artificial. Cómo dibujar narvales monísimos en Illustrator con Gareth Lucas | 22 julio | EN | 4 PM (ES)

Acompaña a Gareth Lucas en «Dibujar narvales monísimos en Illustrator», una sesión en directo divertida y accesible en la que creará una de sus propias ilustraciones de narvales de principio a fin en Adobe Illustrator.

En lugar de centrarse en técnicas de dibujo complejas, esta sesión se centra en crear ilustraciones utilizando formas sencillas y herramientas inteligentes, lo que la hace ideal tanto para principiantes como para usuarios de nivel intermedio de Illustrator. Gareth mostrará su flujo de trabajo en directo, explicando cada paso y respondiendo a las preguntas a lo largo de la sesión.

Tanto si eres nuevo en Illustrator como si buscas perfeccionar tus habilidades en la ilustración vectorial, saldrás de aquí con técnicas prácticas que podrás aplicar a tus propias creaciones. Cuándo usar IA en tu proyecto con Design Thinking y Silvia Calvet | 23 julio | ES | 4PM (ES)

La inteligencia artificial está transformando la forma en que diseñamos productos, servicios y experiencias. Pero ante tantas posibilidades, surge una pregunta clave: ¿realmente tu proyecto necesita IA?

En este Live, Silvia Calvet explorará cómo aplicar los principios del Design Thinking para tomar decisiones más conscientes sobre el uso de IA en proyectos de diseño e innovación. A través de ejemplos reales, analizará cuándo la tecnología aporta valor y cuándo es más efectivo centrarse en comprender mejor a las personas.

Además, presentará una herramienta práctica para evaluar si la IA es realmente la solución al problema que estás resolviendo o si existen otras alternativas más adecuadas.

Si trabajas en innovación, diseño de productos o servicios, este Live te ayudará a tomar decisiones más estratégicas y centradas en las personas. Conceptos básicos y más allá de la fabricación de velas con Belinda Resendez | 27 julio | ES | 5 PM (ES)

Únete a Belinda Resendez (xoilluminated) en una sesión en directo dedicada a todo lo relacionado con la fabricación de velas. Tanto si acabas de empezar como si ya tienes experiencia, esta es una oportunidad para profundizar en tu conocimiento de este arte, resolver problemas habituales y descubrir nuevas ideas para tus proyectos.

Durante la sesión, Belinda responderá a las preguntas de los asistentes, compartirá consejos prácticos para mejorar tus resultados y abordará algunos de los problemas más habituales a los que se enfrentan los creadores.

También mostrará una selección de velas y ceras fundidas que ha creado, explicando paso a paso su proceso, sus técnicas y las decisiones que hay detrás de cada pieza terminada.

Tanto si buscas soluciones a problemas concretos como inspiración para futuras creaciones, esta sesión interactiva ofrece un espacio acogedor para aprender directamente de Belinda y conectar con otros entusiastas de las velas. Acuarela de montaña con Edy Rios | 29 julio | ES | 4 PM (ES)

Pintar paisajes de montaña en acuarela es una oportunidad para capturar la inmensidad, la atmósfera y la belleza de la naturaleza. Pero también supone enfrentarse a retos únicos, especialmente cuando se trabaja al aire libre.

En este Live, Edy Rios compartirá su proceso para crear un paisaje de montaña en acuarela, desde el dibujo inicial y la composición hasta los detalles finales de la obra. A lo largo de la sesión, explorará aspectos fundamentales como la transparencia de los pigmentos, la mezcla de colores para representar el paisaje y la importancia que juega la textura del papel en el resultado final.

Además, mostrará cómo abordar elementos esenciales del paisaje, como el cielo, la naturaleza verde y las montañas, para construir escenas más expresivas y llenas de profundidad. Marketing digital en tiempos de IA con Madeca Palacios | 29 julio | 6 PM (ES)

Marketing digital está cambiando rápidamente con la llegada de la inteligencia artificial. Hoy ya no se trata solo de crear contenido, sino de diseñar sistemas más inteligentes, eficientes y escalables.
En este Live, Madeca Palacios explorará cómo la IA está transformando el marketing digital y cómo puedes integrarla en cada etapa del proceso, desde la estrategia hasta la medición de resultados.

A través de un enfoque práctico, mostrará cómo trabajar con IA para investigar audiencias, planificar estrategias, crear contenido y analizar métricas, incluyendo ejemplos reales de cómo utiliza agentes de IA para producir contenido de forma más eficiente sin perder la voz de marca.

El objetivo es entender cómo pasar de un flujo de trabajo manual a un sistema apoyado por IA que te ayude a tomar mejores decisiones y optimizar tu tiempo. De la observación a la pintura con Dominic Bodden | 30 julio | EN | 5 pm (ES)

¿Cómo puede la pintura del natural transformar tu forma de ilustrar?

En esta sesión en directo, Dominic Bodden compartirá cómo los años dedicados al estudio y a la pintura a partir de la observación han ampliado e influido en su práctica profesional como ilustrador. Basándose en su experiencia tanto como ilustrador como pintor figurativo, explorará cómo la observación, las relaciones cromáticas, los valores y el manejo de la pintura pueden reforzar la forma en que los artistas crean imágenes cautivadoras.

Durante la sesión, Dominic mostrará las primeras fases de un retrato expresivo al óleo, explicando cómo establece la estructura, la forma y la presencia a través de la observación antes de centrarse en los detalles. A lo largo de la sesión, reflexionará sobre las conexiones entre la pintura y la ilustración, y sobre cómo cada disciplina sigue influyendo en la otra en su práctica creativa. ¿Ya has elegido cuáles vas a ver? Reserva un hueco en tu agenda y acompáñanos durante todo el mes para aprender de la mano de grandes profesionales.

Recuerda que todos los lives son una oportunidad para descubrir nuevas técnicas, inspirarte con otros procesos creativos y seguir desarrollando tus habilidades. ¡Nos vemos en directo!

_estitxu_

Cómo elegir la tela adecuada para cada proyecto de costura

Aprende a identificar las características de cada tejido y descubre qué aspectos debes tener en cuenta antes de comprar la tela para tu próxima prenda, accesorio o proyecto de decoración.

Elegir una tela bonita es fácil. Elegir la tela adecuada para un proyecto de costura requiere ir un paso más allá. El estampado, el color o la textura pueden captar nuestra atención en un primer momento, pero son otras características las que determinarán cómo será el resultado final de la prenda. Un mismo patrón puede transformarse por completo dependiendo del tejido utilizado: un vestido confeccionado en lino tendrá una estructura muy distinta a otro realizado en viscosa, mientras que una camisa en popelín ofrecerá un acabado completamente diferente a una hecha con denim ligero.

Aprender a reconocer las propiedades de cada tejido no solo ayuda a conseguir mejores resultados, sino que también evita errores habituales, como escoger una tela demasiado rígida para una prenda con mucho movimiento o enfrentarse a materiales difíciles cuando todavía se está empezando a coser. En esta guía descubrirás qué aspectos conviene analizar antes de comprar una tela y cómo elegir el tejido más adecuado para cada proyecto.

Las características básicas de una tela que debes conocer

Antes de decidir qué tela comprar, conviene conocer algunas de sus propiedades principales. Estas características influyen tanto en la apariencia de la prenda como en la facilidad para confeccionarla y en su comportamiento con el uso y los lavados.

La composición del tejido

La composición hace referencia a las fibras con las que está fabricada una tela. Cada una aporta cualidades diferentes, por lo que conocerlas permite anticipar cómo será el resultado final.

Las fibras naturales, como el algodón, el lino, la lana o la seda, destacan por su transpirabilidad y comodidad. Son materiales muy apreciados para prendas de uso diario, aunque cada uno presenta un comportamiento distinto. El lino, por ejemplo, ofrece una apariencia fresca y con carácter, mientras que la lana aporta aislamiento térmico.

Las fibras artificiales, como la viscosa, se obtienen a partir de materias primas naturales transformadas mediante procesos industriales. Suelen ofrecer una caída fluida y agradable, por lo que son muy utilizadas en vestidos, blusas o faldas.

Por otro lado, las fibras sintéticas, entre las que se encuentran el poliéster o el elastano, aportan resistencia, elasticidad o facilidad de mantenimiento. Es habitual encontrar tejidos que combinan varias fibras para aprovechar las ventajas de cada una. Un algodón con un pequeño porcentaje de elastano, por ejemplo, proporciona mayor comodidad y libertad de movimiento que un algodón cien por cien.

Más que buscar un material "mejor" que otro, lo importante es entender qué necesita cada proyecto.

El peso o gramaje

El peso de una tela determina gran parte de su comportamiento. Los tejidos ligeros suelen utilizarse para prendas frescas y con movimiento, como blusas, vestidos de verano o pañuelos. En cambio, las telas de mayor gramaje ofrecen más estructura y resistencia, características necesarias para confeccionar chaquetas, pantalones o bolsos.

Aunque dos telas tengan una composición similar, su peso puede hacer que el resultado sea completamente distinto. Por eso conviene observar cómo se siente el tejido en la mano y pensar si aporta el cuerpo que requiere el patrón elegido.

La caída

La caída describe la forma en que una tela se mueve y se adapta al cuerpo. Algunas presentan un movimiento fluido y natural, mientras que otras mantienen una estructura más rígida.

Esta característica influye directamente en el aspecto de la prenda. Un vestido vaporoso necesita una tela con buena caída para conseguir ese efecto ligero, mientras que una falda con volumen o una americana requieren tejidos capaces de mantener su forma.

Antes de decidir, puede ser útil imaginar cómo quieres que se comporte la prenda al caminar o al vestirla. Esa respuesta suele orientar mejor la elección que fijarse únicamente en el diseño del tejido.

La elasticidad

No todas las telas se comportan igual cuando se estiran. Algunas apenas ceden, mientras que otras recuperan su forma con facilidad gracias a fibras como el elastano o a su estructura de punto.

Este aspecto resulta especialmente importante porque muchos patrones están diseñados específicamente para telas planas o para tejidos elásticos. Utilizar un material diferente puede modificar el ajuste, alterar las medidas o dificultar el montaje de la prenda.

Si estás empezando, merece la pena comprobar siempre este detalle antes de comprar el tejido.

La transparencia

Las telas ligeras pueden transparentar más de lo esperado, especialmente en colores claros. Esto no significa que deban descartarse, sino que quizá sea necesario incorporar un forro o elegir una combinación de prendas adecuada.

Siempre que sea posible, conviene observar el tejido a contraluz para comprobar su nivel de transparencia antes de decidirse.

La resistencia y el mantenimiento

No todas las telas están pensadas para el mismo uso. Una bolsa de tela que va a utilizarse a diario necesita resistencia al roce, mientras que un vestido para una ocasión especial puede priorizar la caída o la elegancia sobre la durabilidad.

También merece la pena revisar las instrucciones de lavado. Algunos tejidos requieren cuidados específicos o pueden encoger tras el primer lavado, algo que conviene tener presente incluso antes de cortar la tela.

En definitiva, elegir un tejido consiste en encontrar el equilibrio entre estética, funcionalidad y facilidad de confección. Cuando estas tres variables trabajan juntas, el proyecto tiene muchas más posibilidades de salir bien.

Qué tela elegir según el tipo de proyecto

Una de las dudas más habituales al empezar a coser es si existe una tela "correcta" para cada prenda. En realidad, la respuesta depende del efecto que quieras conseguir. Un mismo patrón puede ofrecer resultados muy distintos simplemente cambiando el tejido. Sin embargo, sí existen materiales que suelen funcionar especialmente bien según el tipo de proyecto.

Camisas y blusas

Las camisas y las blusas suelen confeccionarse con tejidos ligeros o de peso medio que resulten cómodos y permitan libertad de movimiento. El popelín de algodón es uno de los materiales más utilizados porque combina estructura y facilidad de costura, mientras que el lino ligero aporta un acabado más natural y fresco.

Si buscas una silueta más fluida, la viscosa o el chambray son excelentes alternativas, ya que generan un movimiento suave sin perder comodidad.

Vestidos y faldas

En este tipo de prendas, la caída adquiere un papel protagonista. Si el diseño pretende acompañar el movimiento del cuerpo, tejidos como la viscosa, el crepé o algunos algodones ligeros ofrecen un resultado muy natural.

En cambio, cuando el patrón busca volumen o una silueta más marcada, pueden funcionar mejor materiales con mayor cuerpo, capaces de mantener la forma de la prenda.

La misma falda puede parecer completamente diferente dependiendo de la tela elegida, lo que convierte este tipo de proyectos en una excelente forma de experimentar con distintos tejidos. Pantalones

Los pantalones requieren un equilibrio entre resistencia y comodidad. Como se trata de prendas sometidas a un uso frecuente y al movimiento constante del cuerpo, conviene optar por tejidos duraderos que mantengan bien su forma con el paso del tiempo.

La sarga es una de las opciones más versátiles gracias a su resistencia y facilidad para trabajarla. El denim sigue siendo un clásico para diseños informales, mientras que la pana aporta textura y calidez en prendas de otoño e invierno. Si el patrón está pensado para un ajuste más ceñido o una mayor libertad de movimiento, puede ser interesante elegir un tejido que incorpore un pequeño porcentaje de elastano.

Chaquetas y abrigos

Las prendas exteriores suelen necesitar telas con más peso y estructura para mantener su forma y ofrecer protección frente al frío o al viento. Materiales como la gabardina, la lana, el tweed o el denim grueso son algunas de las opciones más habituales, aunque la elección dependerá del estilo de la prenda y de la estación del año.

En muchos casos también será necesario añadir un forro para mejorar el acabado interior, facilitar que la prenda se deslice sobre la ropa y aumentar su comodidad. Antes de comprar la tela, merece la pena comprobar si el patrón incluye este tipo de indicaciones.

Ropa infantil

Cuando se confecciona ropa para niños y niñas, la comodidad debe situarse por delante de cualquier otro criterio. Las telas suaves, transpirables y fáciles de lavar suelen ser la mejor elección, ya que las prendas estarán expuestas a un uso intenso y a lavados frecuentes.

El algodón continúa siendo uno de los materiales más recomendables, tanto en tejido plano como en punto. La muselina también resulta una excelente opción para prendas ligeras o accesorios infantiles gracias a su suavidad y ligereza.

Bolsos y accesorios

En accesorios como bolsos, neceseres o mochilas, la prioridad cambia por completo. En lugar de buscar una tela con buena caída, interesa un material que aporte estabilidad y soporte el peso del contenido.

La loneta, el canvas o el denim grueso ofrecen una gran resistencia y permiten que el accesorio conserve mejor su forma. En algunos proyectos también puede utilizarse entretela o materiales reforzados para conseguir un acabado más firme.

Proyectos de decoración

Las necesidades de un cojín, una cortina o un mantel son muy diferentes a las de una prenda de vestir. En estos casos conviene valorar especialmente el grosor, la resistencia al uso y la facilidad de limpieza.

Para cojines o manteles funcionan muy bien tejidos como el lino o el algodón grueso, mientras que las cortinas pueden confeccionarse con materiales más ligeros o más opacos según la cantidad de luz que se quiera dejar pasar. La elección dependerá siempre del uso previsto y del efecto decorativo que se busque.

Lo importante es recordar que no existe una tela universal para todos los proyectos. La mejor elección será aquella que responda tanto a las necesidades técnicas del patrón como al resultado visual que tienes en mente. Cómo interpretar las recomendaciones de un patrón

Uno de los errores más habituales es pensar que las recomendaciones de un patrón son solo una sugerencia. En realidad, constituyen una de las mejores guías para elegir la tela adecuada, especialmente cuando todavía se tiene poca experiencia.

En la mayoría de los patrones encontrarás una lista de tejidos recomendados. Estas indicaciones no pretenden limitar tu creatividad, sino ayudarte a conseguir un resultado parecido al que diseñó la persona creadora del patrón. Si decides utilizar una tela muy diferente, es probable que cambien la caída, el volumen o incluso el ajuste de la prenda.

También conviene comprobar si el patrón está diseñado para tela plana o para tejido de punto. Aunque puedan parecer similares a simple vista, ambos materiales se comportan de forma muy distinta y afectan directamente a las medidas y al montaje de la prenda.

Otro aspecto importante es revisar el ancho del tejido, ya que influirá en la cantidad de tela necesaria. Los patrones también suelen indicar si será necesario utilizar forro, entretela o algún material adicional para reforzar determinadas piezas.

Por último, merece la pena prestar atención a la dirección del hilo y a las indicaciones relacionadas con estampados, tejidos con pelo o materiales que puedan encoger. Estos pequeños detalles suelen pasar desapercibidos al principio, pero pueden marcar la diferencia entre un proyecto que encaja correctamente y otro que no ofrece el resultado esperado. Errores frecuentes al elegir una tela

La mayoría de los fallos relacionados con la costura no aparecen durante la confección, sino mucho antes: en el momento de comprar la tela. Elegir únicamente por el estampado o por el color es probablemente el error más habitual. Aunque la parte estética sea importante, el comportamiento del tejido será el que determine si la prenda funciona una vez terminada.

Otro fallo frecuente consiste en ignorar el peso del material. Una tela demasiado rígida puede hacer que un vestido pierda movimiento, mientras que un tejido excesivamente ligero puede impedir que una chaqueta conserve su forma.

También es común escoger materiales demasiado complejos para un primer proyecto. Telas como la seda, el satén o los tejidos muy elásticos exigen una técnica más depurada y pueden convertir una experiencia de aprendizaje en una fuente de frustración.

No revisar si el patrón necesita una tela elástica, comprar menos cantidad de la necesaria o no tener en cuenta el ancho del tejido son otros errores habituales que pueden obligar a modificar el proyecto sobre la marcha.

Por último, muchas personas cortan directamente la tela nada más comprarla. Sin embargo, algunos tejidos encogen tras el primer lavado. Preparar la tela antes de empezar a coser puede evitar sorpresas desagradables cuando la prenda ya está terminada. Elegir bien la tela también es parte del proceso creativo

Cada proyecto de costura comienza mucho antes de sentarse frente a la máquina de coser. Empieza cuando observas un tejido, imaginas cómo caerá sobre el cuerpo y decides si realmente es el material adecuado para convertir una idea en una prenda.

Con el tiempo descubrirás que elegir una tela deja de ser una decisión basada únicamente en el gusto personal para convertirse en una habilidad que mejora con la experiencia. Cuanto mejor conozcas las características de cada tejido, más fácil será anticipar el resultado final, evitar errores y disfrutar de todo el proceso de confección.

Si quieres seguir perfeccionando tus conocimientos, explorar nuevas técnicas y aprender de profesionales del sector, descubre los cursos de Domestika sobre corte y confección, patronaje, diseño de moda y costura. Encontrarás recursos para dar el siguiente paso y transformar cada idea en un proyecto hecho a medida.

anna_ferreira_