Cómo hacer hilos a partir de restos de kombucha: guía paso a paso con celulosa bacteriana

Aprende a transformar restos de kombucha en hilos sostenibles utilizando celulosa bacteriana y técnicas simples de torsión y secado.

La experimentación con biomateriales está revolucionando el diseño textil y los procesos artesanales. Uno de los materiales más versátiles y sorprendentes es la celulosa bacteriana de kombucha, que puede transformarse en láminas, textiles e incluso en hilos sostenibles.

En este tutorial, Loana Flores explica cómo convertir restos de kombucha en hilos resistentes y manipulables, utilizando un proceso sencillo pero preciso. ¿Por qué usar restos de kombucha?

La kombucha genera una lámina de celulosa bacteriana durante su fermentación. Este material orgánico es flexible, biodegradable y puede reutilizarse en proyectos de diseño sostenible y experimentación textil.

Transformar estos restos en hilo no solo reduce residuos, sino que abre nuevas posibilidades en el campo de los materiales orgánicos para diseño. Paso 1: Cortar la lámina en espiral

El primer paso consiste en cortar la lámina seca en forma de espiral para obtener una tira continua.

El grosor del hilo dependerá directamente del ancho de la tira:

- Aproximadamente 0,5 cm para hilos más finos

- Entre 1 y 1,5 cm para hilos más gruesos

- Incluso anchos mayores si se busca una textura más robusta

Esta decisión influirá en la resistencia y acabado final del hilo. Paso 2: Humedecer la celulosa bacteriana

Antes de manipular la tira, es fundamental humedecerla ligeramente. Este paso facilita la torsión y evita que la celulosa bacteriana se quiebre.

Si se intenta enrollar en seco, es probable que el material pierda continuidad y se rompa.

La humedad permite que la fibra se vuelva más flexible y manejable. Paso 3: Frotar y torsionar para crear el hilo

Una vez humedecida, la tira se frota contra una superficie porosa, como una esponja. Este gesto:

- Compacta el material

- Reduce irregularidades

- Facilita la torsión

Durante el proceso, se puede volver a humedecer si se detectan zonas más gruesas o rígidas.

El objetivo es conseguir un hilo bien torsionado que, al secarse, mantenga esa forma estructural. Paso 4: Secado para fijar la forma

Una vez alcanzado el grosor y la torsión deseados, el hilo debe secarse manteniendo esa estructura. El secado fija la forma final y aporta resistencia al material.

El resultado es un hilo orgánico, biodegradable y con una estética única, ideal para proyectos de diseño experimental o textil sostenible.

Innovación textil con biomateriales

Trabajar con hilos de kombucha demuestra cómo los residuos orgánicos pueden transformarse en recursos creativos. Este tipo de procesos no solo fomentan el diseño circular, sino que impulsan nuevas formas de entender la materia.

Si quieres profundizar en la creación de hilos a partir de materia orgánica, puedes aprender más en el curso de Laoana Flores en Domestika.

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Año del Caballo 2026: paletas de color, símbolos y cómo usarlos en tus ilustraciones

Aprende a inspirarte en el Año del Caballo para crear ilustraciones llenas de energía, movimiento y simbolismo

El Año Nuevo Chino es una de las celebraciones más importantes de la cultura oriental, marcando el inicio de un nuevo ciclo según el calendario lunar. El 2026 será el Año del Caballo, un signo que simboliza energía, movimiento, libertad y nobleza.

Este simbolismo no solo tiene relevancia en la astrología china, sino que también puede inspirar la creatividad visual. Para ilustradores y diseñadores, el caballo ofrece un abanico de ideas: desde la sensación de dinamismo y fuerza hasta la posibilidad de experimentar con líneas fluidas, paletas de colores cálidas y composiciones llenas de movimiento.

El simbolismo del Caballo en el arte oriental

En la tradición oriental, el caballo representa fuerza, impulso y elegancia. Es un animal asociado con la acción, la velocidad y la capacidad de superar obstáculos. A lo largo de la historia, se le ha utilizado como motivo en porcelanas, tapices, pinturas y esculturas, destacando por su postura noble y su energía en movimiento.

El caballo también aparece como símbolo de estatus y libertad en la iconografía china, reflejando el equilibrio entre poder y gracia. Para los creativos, este simbolismo puede ser un recurso visual para transmitir movimiento y vitalidad en ilustraciones y diseños.

Paletas de color para 2026 inspiradas en el Año del Caballo

Los colores tradicionales del Año Nuevo Chino son el rojo, símbolo de buena suerte y protección; el dorado, asociado a la riqueza y la prosperidad; y los tonos tierra y naranjas vibrantes, que transmiten calidez y energía. Para ilustraciones del Año del Caballo 2026, puedes combinar estas tonalidades para reflejar dinamismo y vitalidad:

Rojo intenso con dorado para acentos llamativos.
Naranja con tonos tierra para un efecto más natural y armonioso.
Combinaciones degradadas de rojo a naranja para representar movimiento y fuerza.

Además, un mini moodboard descargable con estas paletas puede servir como referencia rápida para tus proyectos.
Estilo visual y trazos sugeridos para tus composiciones

El caballo es un signo que inspira líneas curvas, expresivas y dinámicas. Para transmitir su energía, las ilustraciones fluidas funcionan muy bien, mientras que los trazos geométricos pueden aportar modernidad y estructura.

El uso de patrones decorativos orientales, texturas y símbolos tradicionales en los fondos ayuda a reforzar el contexto cultural sin caer en clichés. Mezclar elementos decorativos con la figura del caballo puede generar composiciones atractivas y llenas de significado.
Ideas prácticas para aplicar en tus proyectos creativos

-Postales ilustradas para celebrar el Año Nuevo Chino.
-Packaging temático con símbolos y paletas de colores inspiradas en el caballo.
-Carteles conmemorativos o piezas para redes sociales.

Es importante integrar referencias culturales de forma respetuosa, evitando estereotipos y buscando un equilibrio entre creatividad y autenticidad. El Año del Caballo 2026 es una excelente oportunidad para experimentar con color, composición y simbolismo en tus proyectos creativos.

Descarga gratuita del moodboard del Año del Caballo 2026 y deja que la energía de este signo inspire tus ilustraciones.

Además, explora más cursos de ilustración con enfoque cultural o simbólico para ampliar tu repertorio visual y tu creatividad.

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Descarga gratuita: Guía práctica para escribir la sinopsis perfecta de tu novela

Guía gratuita: Escribe la sinopsis perfecta de tu novela y atrae a editores y lectores

Escribir una sinopsis clara y atractiva es uno de los retos más comunes para los escritores. Muchos autores luchan por condensar toda la historia de su novela en unas pocas líneas, sin perder la esencia de los personajes, el conflicto central ni el tono de la obra. El resultado suele ser un texto confuso, demasiado largo o, por el contrario, tan breve que no transmite el interés necesario.

Para ayudarte a superar este obstáculo, ofrecemos una guía práctica gratuita. Esta guía proporciona herramientas concretas para estructurar tu sinopsis de manera efectiva, destacando los elementos esenciales de tu historia y presentándolos de forma atractiva para editores, agentes y lectores.

¿Por qué es tan difícil escribir una buena sinopsis?

Existen varios factores que dificultan la redacción de una sinopsis:
El exceso de información: los autores quieren incluir todos los giros, subtramas y personajes, lo que hace que el texto se vuelva pesado.
El apego emocional a la obra: es difícil decidir qué dejar fuera cuando cada detalle tiene significado.

La falta de estructura narrativa condensada: resumir la historia de manera coherente y lógica requiere un enfoque estratégico.

Más allá de la dificultad, la sinopsis cumple un rol clave en el proceso editorial. Es la primera presentación de tu obra ante agentes, editoriales y concursos, y puede marcar la diferencia entre que tu novela sea leída o no. Una sinopsis efectiva también es útil para autopublicación, pitching o marketing, ya que sintetiza la propuesta de valor de tu historia.

Qué incluye esta descarga gratuita

La guía práctica gratuita ofrece un enfoque paso a paso para construir la sinopsis perfecta:
Una estructura clara para organizar la historia y los elementos narrativos esenciales.
Consejos para resumir los puntos clave sin perder el tono y la voz de la obra.
Preguntas guía que ayudan a identificar conflicto, personajes y desenlace sin revelar spoilers innecesarios.

Recomendaciones para adaptar la sinopsis según el medio: editorial, autopublicación, pitching, concursos o presentación en eventos literarios.
Gracias a esta guía, los escritores podrán redactar una sinopsis que cumpla su función principal: captar la atención y comunicar el corazón de la historia de forma concisa.

Cómo aplicarla a tu proyecto literario hoy mismo

Para aprovechar al máximo esta guía, sigue estos pasos prácticos:
Usa el paso a paso de la guía para estructurar la sinopsis de tu manuscrito actual.
Aplica las preguntas guía para detectar qué información es esencial y qué se puede omitir.

Redacta una primera versión siguiendo la estructura sugerida y revisa el tono para mantener la voz de tu historia.
Comparte tu sinopsis con lectores de confianza o colegas escritores y ajusta el texto en base a su feedback.

Este ejercicio no solo mejora la sinopsis, sino que también ayuda a los autores a comprender mejor su propia historia y a comunicarla de manera más efectiva.
Una sinopsis bien redactada ofrece múltiples beneficios: claridad, enfoque y mejor presentación de la obra. Con esta guía gratuita, tendrás las herramientas necesarias para crear un texto conciso, atractivo y profesional.

Descarga ahora tu guía práctica para escribir la sinopsis perfecta y comienza a transformar tu manera de presentar tu novela.

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Marina Abramović: cómo el arte performático inspira nuevas formas de expresión creativa

Marina Abramović: La Pionera del Arte Performático como Fuente de Inspiración Creativa

Marina Abramović es una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo y una pionera indiscutible del arte performático. Desde los años setenta, su trabajo ha desafiado los límites entre el arte y la vida, utilizando su propio cuerpo como principal herramienta de expresión. A través de acciones extremas, silencios prolongados y situaciones de alta carga emocional, Abramović ha transformado la manera en que entendemos la presencia, el tiempo y la relación entre artista y público.

Más allá de la performance, su enfoque ha influido a creadores de múltiples disciplinas, demostrando que el cuerpo, la atención plena y la vulnerabilidad pueden convertirse en potentes motores creativos. Este artículo explora cómo el arte performático de Abramović puede servir de inspiración para quienes buscan nuevas formas de expresión.

¿Qué es el arte performático?

El arte performático es una práctica artística basada en la acción en vivo, donde el cuerpo del artista se convierte en el medio principal de la obra. A diferencia de disciplinas como la pintura o la escultura, la performance no siempre deja un objeto físico como resultado, sino una experiencia que sucede en un tiempo y espacio concretos.

Una de sus principales características es la importancia del tiempo como materia artística. La duración, la repetición y la resistencia física o mental forman parte del lenguaje performático. El cuerpo funciona como un canal emocional y simbólico que conecta directamente con el espectador.
Claves del enfoque de Abramović

Uno de los elementos más reconocibles del trabajo de Marina Abramović es el uso del silencio y la quietud. En muchas de sus performances, la ausencia de acción obliga al espectador a enfrentarse consigo mismo y a su capacidad de atención.

La relación con el público es otro pilar fundamental. Abramović concibe la obra como una experiencia compartida, donde el espectador deja de ser pasivo. Esto se ve en obras como Rhythm 0 (1974) o The Artist is Present (2010), basadas en la interacción directa y la presencia absoluta.

La resistencia física y mental funciona también como lenguaje artístico. A través del cansancio, el dolor o la repetición extrema, Abramović explora los límites del cuerpo. Sus colaboraciones con Ulay profundizaron en la relación, la confianza y la separación como actos performáticos. Cómo este enfoque puede inspirar tu proceso creativo

No es necesario dedicarse al arte performático para aplicar estas ideas. Uno de los aprendizajes clave es el valor de la presencia total en el proceso creativo.
Explorar los propios límites puede abrir caminos inesperados. La vulnerabilidad, lejos de ser una debilidad, puede convertirse en una fuerza artística y en una fuente de conexión auténtica.

Entender el acto de crear como una performance consciente ,donde cuerpo, mente y emoción están alineadospuede transformar la práctica creativa en disciplinas visuales, narrativas o educativas.

El trabajo de Marina Abramović nos recuerda que el arte no siempre consiste en producir objetos, sino en generar experiencias profundas. No hace falta dedicarse al arte performático para dejarse inspirar por su enfoque radical y honesto.

Observar el proceso creativo desde el cuerpo, la emoción y el momento presente puede abrir nuevas formas de expresión. Explora cursos de performance, escritura performática o desbloqueo creativo y permite que tu práctica evolucione.
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Artistas que reinventaron su carrera explorando nuevas formas de crear

Cómo el cambio de técnica, disciplina o enfoque se convirtió en el motor creativo de algunos de los artistas más influyentes de la historia

La historia del arte no es una línea recta. Está hecha de desvíos, rupturas, pausas y reinicios constantes. Muchos de los artistas que hoy consideramos imprescindibles no encontraron su voz a la primera, ni se mantuvieron fieles a una única técnica o estilo durante toda su carrera. Al contrario: se permitieron cambiar, equivocarse y explorar nuevos caminos.

En un contexto creativo donde la coherencia estilística suele interpretarse como sinónimo de éxito, la reinvención puede verse como un riesgo. Cambiar de disciplina, abandonar una técnica reconocida o empezar de cero puede generar inseguridad, tanto interna como externa. Sin embargo, este artículo celebra la valentía de quienes se atrevieron a romper con lo establecido para redescubrir su voz creativa y ampliar los límites de su práctica artística.

¿Por qué reinventarse?

Las razones que llevan a un artista a reinventarse son múltiples y profundamente personales. En muchos casos, el cambio surge a partir de un bloqueo creativo, una crisis vital o el cansancio de repetir una fórmula que ya no genera entusiasmo. En otros, responde a un cambio de entorno, a nuevas influencias culturales o simplemente a la curiosidad por explorar territorios desconocidos.

Reinventarse no implica necesariamente abandonar lo anterior, sino dialogar con ello desde otro lugar. Cambiar de medio, técnica o enfoque puede desbloquear procesos creativos, aportar nuevas capas de significado a la obra y devolver el placer de crear sin expectativas. Además, abrirse a otras disciplinas permite cuestionar hábitos adquiridos y escapar de la presión de cumplir con una identidad fija. Artistas que se atrevieron a cambiar de rumbo

David Bowie
La carrera de David Bowie es un ejemplo emblemático de reinvención constante. Más allá de la música, Bowie entendía su trabajo como una construcción artística integral donde la estética, el cuerpo, la narrativa y la performance tenían el mismo peso que el sonido. A través de alter egos como Ziggy Stardust o el Delgado Duque Blanco, transformó su identidad una y otra vez, utilizando el cambio como motor creativo y no como amenaza.

Louise Bourgeois
Durante gran parte de su vida, Bourgeois trabajó principalmente con el dibujo y la pintura. Sin embargo, fue en una etapa avanzada de su carrera cuando dio un giro radical hacia la escultura monumental, la instalación y el uso del textil. Estas nuevas formas le permitieron explorar temas como la memoria, el cuerpo y el trauma con una intensidad renovada, consolidando su lugar como una figura clave del arte contemporáneo.

Yayoi Kusama
La obra de Kusama desafía cualquier intento de clasificación. Ha transitado la pintura, la escultura, la instalación inmersiva, la performance, la escritura y la moda, utilizando cada medio como una extensión de su universo obsesivo. Sus famosos patrones repetitivos y entornos infinitos demuestran que la coherencia no depende de una técnica única, sino de una visión profunda y persistente.

Miquel Barceló
Aunque comenzó con el dibujo y la pintura, Barceló expandió su práctica hacia la cerámica, la escultura y proyectos de intervención arquitectónica. Su interés por los materiales y los procesos lo llevó a trabajar en formatos monumentales y espacios públicos, demostrando que reinventarse también puede significar dialogar con nuevas escalas y contextos sin perder identidad artística. Emma Kunz
Durante su vida, Emma Kunz no fue reconocida como artista en el sentido tradicional. Sus dibujos geométricos de gran formato funcionaban como herramientas de investigación espiritual y energética, alejadas de los circuitos artísticos de su época. Décadas después de su muerte, su obra fue redescubierta y valorada por su enfoque experimental, convirtiéndola en un ejemplo potente de reinvención y reconocimiento tardío.

Gerhard Richter
Richter ha construido una carrera marcada por el cambio constante. Ha trabajado la pintura figurativa, la abstracción, la fotografía y el vidrio, negándose a consolidar un estilo único. Su práctica cuestiona de forma permanente qué significa pintar y cómo se relaciona la imagen con la realidad, haciendo del cambio una parte esencial de su lenguaje artístico.

Lo que podemos aprender de estos cambios

Uno de los aprendizajes más importantes es romper con la idea de que un artista debe mantener un estilo coherente a lo largo del tiempo. La coherencia puede existir a un nivel más profundo, en los temas, las preguntas o la mirada, sin necesidad de repetirse formalmente.

También es clave normalizar el hecho de volver a empezar. Explorar sin rumbo, probar disciplinas nuevas o atravesar etapas de experimentación no es un fracaso, sino una parte fundamental del crecimiento creativo. Esta filosofía puede aplicarse tanto a proyectos personales como profesionales: aprender una nueva técnica, colaborar con otros perfiles o cambiar de enfoque puede abrir oportunidades inesperadas.
Tu carrera creativa no tiene por qué seguir una línea recta. Reinventarse no es perderse, es crecer. Cada cambio, cada duda y cada exploración forman parte de la construcción de una voz auténtica, flexible y viva.

Si sientes curiosidad por otras disciplinas o ganas de salir de tu zona de confort, este puede ser el momento perfecto para hacerlo. Explora cursos de nuevas disciplinas y deja que tu creatividad tome caminos inesperados.

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Tutorial Canva: Cómo pasar diapositivas con el móvil | Control remoto paso a paso

Aprende a usar el control remoto de Canva y convierte tu móvil en un pasador de diapositivas para moverte libremente por el aula o la sala

Moverte por el aula, mantener la atención del alumnado y no depender del ordenador mientras presentas es posible gracias a una función poco conocida pero muy útil: el control remoto de Canva.

En este tutorial, Rosa Liarte, profesora de Geografía e Historia y especialista en tecnología educativa, explica paso a paso cómo pasar diapositivas de Canva con el móvil de forma sencilla y rápida. ¿Qué es el control remoto de Canva?

Cuando estás presentando una diapositiva en Canva, existe un botón llamado control remoto. Esta función permite conectar tu dispositivo móvil con la presentación mediante un código QR, haciendo que el teléfono se convierta automáticamente en un pasador de diapositivas.

Cómo conectar el móvil a tu presentación de Canva

El proceso es muy simple:

- Abre tu presentación en modo presentación.

- Haz clic en el botón control remoto.

- Escanea con tu móvil el código QR que aparece en pantalla.

- Tu móvil quedará conectado y podrás controlar las diapositivas desde el teléfono.

A partir de ese momento, no necesitas tocar el ordenador para avanzar o retroceder en la presentación.

Ventajas de usar el móvil como pasador de diapositivas

- Gracias a esta función de Canva para docentes, podrás:

- Caminar por la clase mientras presentas

- Controlar al alumnado sin interrumpir la explicación

- Utilizar los atajos de presentación directamente desde el móvil

- Mantener una clase más dinámica y fluida

Como muestra Rosa Liarte en el tutorial, incluso quitando la pantalla principal, es posible trabajar únicamente con el dispositivo móvil y seguir gestionando toda la presentación.

El control remoto de Canva es un recurso muy útil para docentes, formadores y ponentes que quieren ganar movilidad y control durante sus presentaciones.

Si este tutorial te ha resultado interesante y quieres seguir aprendiendo sobre herramientas digitales aplicadas a la educación, puedes profundizar mucho más en el curso online de Rosa Liarte en Domestika.

rosaliarte

Descarga gratuita: Guía práctica para mantener un ritmo de cortisol saludable

Cuidar tu cortisol también es cuidar tu creatividad

La creatividad no depende solo de la inspiración o del talento. Nuestro estado físico y mental juega un papel clave en cómo pensamos, sentimos y creamos. Entre los muchos factores que influyen en nuestro bienestar diario, el cortisol ,conocido como la hormona del estrés, tiene un impacto directo en la energía, la concentración y la claridad mental.

Para las personas creativas, mantener un ritmo de cortisol saludable puede marcar la diferencia entre días productivos y otros dominados por el cansancio, la ansiedad o el bloqueo creativo. Cuando el cortisol se desequilibra, aparecen la falta de foco, el agotamiento mental o la dificultad para descansar bien, afectando de lleno al proceso creativo.

Por eso, hoy compartimos una guía práctica descargable gratuita pensada para ayudarte a entender cómo funciona el cortisol y, sobre todo, cómo regularlo de forma sencilla para cuidar tu bienestar y potenciar tu energía creativa.

¿Qué es el cortisol y por qué deberías prestarle atención si eres una persona creativa?

El cortisol es una hormona esencial que produce nuestro cuerpo de forma natural. Su función principal es ayudarnos a responder al estrés, regular el metabolismo y mantenernos activos durante el día. En niveles adecuados, es necesario y beneficioso.

El problema aparece cuando el cortisol se mantiene elevado durante demasiado tiempo o cuando su ritmo natural se altera. En personas creativas, esto puede traducirse en:
-Dificultad para concentrarse o mantener el foco.
-Sensación de agotamiento mental constante.
-Problemas de sueño o descanso poco reparador.
-Cambios de humor, irritabilidad o ansiedad.
-Bloqueos creativos frecuentes.

Existe el mito de que el cortisol es siempre negativo, pero la realidad es que lo importante no es eliminarlo, sino respetar su ritmo natural: más alto por la mañana para activarnos y más bajo por la noche para poder descansar.

¿Qué encontrarás en esta guía práctica?

La Guía práctica para mantener un ritmo de cortisol saludable está diseñada como un recurso claro, visual y fácil de aplicar, incluso en agendas creativas exigentes. En ella encontrarás:

-Estrategias concretas para regular el cortisol a lo largo del día.
-Recomendaciones nutricionales que ayudan a estabilizar la energía.
-Hábitos de descanso y sueño que favorecen un ritmo hormonal equilibrado.
-Consejos sobre exposición a la luz natural y movimiento físico.
-Técnicas simples de gestión del estrés adaptadas a la vida creativa.
-Rutinas prácticas para evitar picos de agotamiento y bajones de energía.
Es una guía pensada para acompañarte, no para imponerte reglas rígidas, y adaptarse a diferentes estilos de vida y ritmos de trabajo.

Cómo empezar a aplicarla desde hoy

No necesitas cambiarlo todo de golpe. Algunos pasos sencillos que puedes empezar a probar desde hoy incluyen:
-Respetar una rutina de inicio del día que te active sin sobreestimularte.
-Evitar grandes cargas de trabajo creativo a última hora de la noche.
-Introducir pausas conscientes durante el día para bajar la activación.
-Cuidar la alimentación y la hidratación como parte del proceso creativo.
-Escuchar las señales de tu cuerpo antes de llegar al agotamiento.

La guía también propone ideas para crear una rutina creativa consciente, ya sea por la mañana o por la tarde, que te ayude a trabajar con tu energía real y no contra ella. Esto es especialmente útil cuando tienes plazos variables o proyectos intensos.

Cuidar tus niveles de cortisol es, en el fondo, cuidar tu energía creativa.

No se trata de producir más a cualquier precio, sino de crear desde un lugar más equilibrado, sostenible y consciente.
Si quieres empezar a entender mejor cómo funciona tu cuerpo y cómo influye en tu creatividad, descarga gratis esta guía y empieza a escucharte con más atención. A veces, mejorar el proceso creativo empieza por atender lo que ocurre dentro.

Como siguiente paso, también puedes profundizar en este enfoque a través del curso Nutrición cerebral para creativos: alimenta tu innovación y fluidez, donde se explora cómo la alimentación y los hábitos influyen directamente en el rendimiento mental y creativo.

martina_sunsanchez