Las novedades de Logic Pro: loops con inteligencia artificial y mucho más

Descubre las últimas novedades de Logic Pro, desde la incorporación de loops generados por IA hasta nuevas herramientas creativas para productores musicales.

Apple actualiza Logic Pro con IA, loops instantáneos y mejoras de interfaz para agilizar la creación musical. Si eres productor o estás aprendiendo a producir música, estas novedades te van a interesar. Te contamos lo más importante y cómo puedes sacarles partido.
Las principales novedades de Logic Pro

1. Session Players: acompañamiento musical inteligente

La función estrella de esta actualización son los Session Players, acompañantes virtuales que utilizan inteligencia artificial para generar líneas de bajo, teclado o batería de forma automática. Puedes ajustar el estilo, la intensidad o los patrones, logrando resultados sorprendentes en pocos clics.

2. Generador de loops instantáneos

Gracias a esta nueva herramienta, Logic Pro permite crear loops originales basados en el contexto del proyecto en el que estés trabajando. Ideal para salir de bloqueos creativos o para agilizar la producción.
3. Nuevos efectos y sonidos

Se han añadido nuevos paquetes de sonidos, instrumentos virtuales y efectos. Destaca el nuevo compresor mejorado y los módulos pensados para mastering.

4. Mejoras en el flujo de trabajo

La interfaz ahora es más limpia e intuitiva, con accesos directos personalizables, mejoras en el mezclador y nuevas opciones para la automatización.
Si te apasiona la producción musical, en Domestika tienes recursos ideales para mejorar tus habilidades:

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Curso de Logic Pro X desde cero
Consejos para producción vocal en Logic Pro
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Cómo Crear Flores y Hojas para Ilustración Ornamental: Guía Paso a Paso para Principiantes

Aprende a dibujar flores e ilustraciones ornamentales básicas y a combinarlas con lettering para crear composiciones únicas y expresivas.

¿Te gustaría aprender algunos estilos básicos de ilustración ornamental? En este tutorial, la artista Magana Chomi te enseña cómo crear cuatro tipos diferentes de flores, hojas y otros elementos decorativos que puedes integrar fácilmente en tus propias composiciones.

Este tutorial está diseñado para principiantes y artistas que buscan mejorar su técnica en la ilustración ornamental con lettering. A través de instrucciones paso a paso, aprenderás a combinar líneas simples con detalles expresivos para lograr resultados armónicos y llenos de vida. Paso a paso: Aprende a dibujar 4 estilos básicos de flores e ilustración ornamental

1. Primera flor y hoja:
Comienza dibujando un pétalo con forma ovalada, repítelo cinco veces para formar la flor. Añade detalles internos con un círculo central y líneas que conecten hacia los pétalos. Para completar, dibuja un tallo y una hoja básica, también con detalles internos.

2. Segunda flor y hoja:
Dibuja una serie de semicírculos conectados hasta formar un óvalo. Añade un óvalo interno, puntos decorativos y líneas para dar textura. Esta flor se acompaña de una hoja más puntiaguda, con un diseño simétrico.

3. Tercer tipo de flor y hoja:
Forma un círculo con pétalos irregulares. La imperfección añade ritmo visual. Decora con líneas y un círculo interior. La hoja es una de las más clásicas, compuesta por dos curvas simples.

4. Cuarta flor y hoja:
Parecida a la tercera, pero con pétalos más rectos en los extremos. La hoja final tiene curvas más estiradas y elegantes, perfecta para dar variedad a tus composiciones.

¿Qué puedes hacer con estas ilustraciones?
✔️ Aplicarlas en tus proyectos de lettering
✔️ Crear composiciones florales para agendas, papelería o redes sociales
✔️ Desarrollar tu estilo en ilustración botánica y ornamental

Y si te quedaste con ganas de más, no te pierdas el curso completo de Macarena Chomik.

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Cómo el arte puede ayudarte a reducir el estrés diario: técnicas creativas para cuidarte

Descubre cómo el arte y la creatividad pueden ayudarte a reducir el estrés diario con técnicas sencillas y accesibles. Cuida de ti creando.

Vivimos a un ritmo acelerado, con agendas llenas y la mente saturada de estímulos. Pero existe una herramienta poderosa y accesible para cuidar tu bienestar: el arte. Crear con tus manos o tu imaginación no es solo una actividad bonita, es también una forma efectiva de reducir el estrés diario.
¿Por qué el arte ayuda a reducir el estrés?

El acto de crear activa áreas de nuestro cerebro relacionadas con el placer, la concentración y la relajación. Al sumergirte en una actividad creativa, tu mente se desconecta de las preocupaciones cotidianas y entra en un estado de flujo, similar al de la meditación. No hace falta ser artista profesional para disfrutar de sus beneficios.
Técnicas creativas para relajarte y desconectar

Dibujo libre o pintura abstracta: No necesitas técnica ni materiales caros. Coge un lápiz o pinceles y deja que tu mano se mueva libremente. Es una excelente forma de liberar tensiones.

Collage creativo: Recorta revistas, fotos o papeles de colores y crea composiciones sin reglas. Es una técnica intuitiva que te ayudará a expresar emociones.

Escritura automática: Escribir sin pensar demasiado, dejando fluir ideas o frases sueltas, es una herramienta perfecta para vaciar la mente.

Bordado meditativo o tejido: Actividades repetitivas como bordar o tejer tienen un efecto calmante, parecido a una meditación activa.

Modelado con arcilla o cerámica: Trabajar con las manos materiales como el barro conecta cuerpo y mente, liberando tensiones acumuladas.
Cómo incorporar la creatividad en tu rutina

No necesitas dedicar horas al día. Reservar entre 10 y 20 minutos puede marcar la diferencia. Busca un momento tranquilo, prepara tus materiales y regálate ese espacio solo para ti.

Cursos recomendados en Domestika para empezar hoy mismo

Cursos de Bienestar en Domestika
El poder de la creatividad para tu salud mental
7 actividades creativas para cuidar tu salud mental

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Descarga gratuita: Guía para entender la regla de los tercios en tus retratos

Mejora la composición de tus retratos con esta guía gratuita sobre la regla de los tercios. Aprende de la mano de Gabriela Niko, experta en ilustración.

¿Quieres mejorar la composición de tus retratos? La regla de los tercios es uno de los principios más importantes a la hora de crear una imagen equilibrada y atractiva. Para ayudarte a dominarla, en Domestika te regalamos una guía descargable gratuita con los conceptos clave para que lleves tus dibujos al siguiente nivel.
¿Qué es la regla de los tercios?
La regla de los tercios es una técnica clásica de composición visual que consiste en dividir una imagen en tres partes iguales, tanto horizontal como verticalmente. Los puntos de intersección de estas líneas marcan las zonas donde es más recomendable colocar los elementos principales de tu obra. Porque generan equilibrio visual y atraen la atención del espectador. Aprende a aplicar la regla de los tercios en tus retratos
Esta guía es parte del curso Sketchbook de retrato: explora el rostro humano impartido por Gabriela Niko, artista freelance reconocida internacionalmente por sus ilustraciones. En este curso, Gabriela comparte consejos esenciales para capturar la esencia del rostro humano, empezando por conceptos tan útiles como este. Sobre Gabriela Niko
Gabriela Niko es una ilustradora polaca especializada en retrato y figura humana. Tras formarse en la Academia de Bellas Artes de Polonia y trabajar casi una década en diseño de moda, decidió dedicarse por completo al dibujo. Actualmente comparte su arte con más de 350.000 seguidores en Instagram, es embajadora de Paper Concept y ha colaborado en proyectos editoriales y creativos de todo tipo.

Si quieres sentir aprendiendo no te pierdas el curso completo de Gabriela, Sketchbook de retrato: explora el rostro humano

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10 Creativos LGBTQIA+ que están redefiniendo el mundo del arte

Artistas LGBTQIA+ han revolucionado el arte e identidad. Celebramos a 10 creativos, pioneros y actuales, que desafían normas por un arte más diverso e inclusivo.

1. David Hockney (Reino Unido)
Uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Su obra colorida y emocional, especialmente sus retratos de hombres y escenas íntimas, rompieron barreras en la representación queer.
Más sobre Hockney: su uso revolucionario del color sigue inspirando nuevas generaciones.
2. Zanele Muholi (Sudáfrica)
Fotógrafe activista que documenta la vida de la comunidad negra LGBTQIA+ en Sudáfrica. Su serie Faces and Phases es un referente de resistencia y visibilidad.
Conoce más fotógrafos LGBTQIA+ photographers you should follow on Instagram
3. Andy Warhol (EE. UU.)
Símbolo del pop art y de la cultura queer underground. Warhol puso la homosexualidad en el centro del arte contemporáneo, cuando aún era un tabú.
Su estudio “The Factory” fue cuna de libertad creativa.
4. Juliana Huxtable (EE. UU.)
Artista multidisciplinar, escritora y DJ que fusiona género, raza, cuerpo e identidad. Utiliza el arte digital y la performance para cuestionar las normas sociales.
Representación radical en el arte del presente.
5. Keith Haring (EE. UU.)
Con su estilo gráfico e inmediato, Haring convirtió el espacio urbano en un lienzo de activismo queer y lucha contra el VIH. Su arte sigue presente en muros de todo el mundo.
Su legado vive en cada trazo simple pero poderoso.
6. Wu Tsang (EE. UU.)
Artista visual, cineasta y performer no binarie. Explora temas como la migración, la identidad trans y las narrativas ocultas a través del videoarte y la instalación.
Su obra crea espacios seguros dentro del arte contemporáneo.
7. Del LaGrace Volcano (Suecia/EE. UU.)
Fotógrafe intersex que desafía las ideas tradicionales de género con retratos intensos, provocativos y profundamente humanos.
Su trabajo está en la intersección de lo corporal, político y artístico.
8. Nan Goldin (EE. UU.)
Su serie The Ballad of Sexual Dependency documenta con crudeza y ternura la vida LGBTQIA+ neoyorquina de los 80. Un testimonio visual del amor, la pérdida y la intimidad.
Arte como archivo de lo personal y lo colectivo.
9. Tamar Ettun (Israel/EE. UU.)
Artista queer que trabaja con instalación, escultura y performance. Sus obras exploran la resiliencia emocional a través del cuerpo y el color.
Una sensibilidad única que combina lo espiritual y lo físico.
10. Alok Vaid-Menon (EE. UU.)
Poete, performer y artista de moda. Alok desafía los binarismos de género con un enfoque artístico que mezcla palabra hablada, estética radical y activismo visual.
Voz imprescindible en el arte no binario contemporáneo.
Celebrando la diversidad en el arte
Estos y muchos otros artistas están transformando el arte desde su autenticidad, visibilidad y compromiso con sus comunidades. Explorar sus obras es una invitación a cuestionar, sentir y abrirse a nuevas formas de mirar el mundo.

¿Quieres seguir explorando?
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El origen de los símbolos LGBTQIA+
7 artistas que exploran la identidad LGBTQIA+

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Descarga Gratis: Posters de Teoría del Color para Principiantes en Dibujo y Pintura

Posters descargables gratuitos sobre teoría del color para principiantes en dibujo y pintura, creados para el curso Pintura y dibujo para principiantes: una guía básica de Daphne Frizzle (Miss Frizzle Art).
¿Por qué aprender teoría del color?

La teoría del color es una de las herramientas más poderosas para cualquier artista. Comprender cómo interactúan los colores, cómo combinarlos y cómo transmitir emociones a través de ellos es esencial para dar vida a tus ilustraciones y paisajes.
Hemos preparado una colección exclusiva de tres posters con los principios clave de la teoría del color, pensados especialmente para quienes inician su camino en la pintura:

- Rueda cromática completa
- Armonías de color (análoga, complementaria, triádica)
- Temperatura y psicología del color

Puedes descargarlos, imprimirlos o usarlos como fondo de escritorio para tener siempre a mano esta valiosa información. Aprende con Daphne Frizzle: artista y educadora

La profesora del curso es Daphne Frizzle, artista y educadora con una fuerte presencia en plataformas como TikTok y YouTube. En su curso, Daphne te guía paso a paso por los conceptos básicos de dibujo y pintura, desde el uso de materiales hasta la creación de composiciones realistas inspiradas en tus propias fotografías.

Su estilo es claro, accesible y lleno de inspiración. Ideal para quienes empiezan desde cero.

Conoce más sobre el curso aquí
Descubre más sobre Daphne Frizzle

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Wendy Red Star: reescribiendo la historia desde la mirada indígena

Una artista que utiliza la fotografía para cuestionar la narrativa colonial y reivindicar la memoria cultural

Wendy Red Star, artista visual, activista y educadora Crow nacida en 1981, reconfigura la historia desde una perspectiva indígena contemporánea a través de fotografía, instalación, collage y archivo, desafiando relatos oficiales y visibilizando voces indígenas.
Una narrativa visual desde lo personal y lo colectivo

Uno de los proyectos más conocidos de Red Star es Four Seasons, una serie fotográfica en la que se autorretrata vestida con atuendos tradicionales de la Nación Crow en escenarios artificiales que parodian los dioramas etnográficos de museos. El resultado es una crítica directa al exotismo y la descontextualización con la que las culturas indígenas han sido presentadas en el imaginario occidental.
Investigación, archivo y reapropiación

Red Star dedica gran parte de su práctica a investigar documentos y fotografías del siglo XIX y XX, muchas de ellas conservadas en colecciones antropológicas. Mediante anotaciones, intervenciones gráficas y resignificaciones visuales, rescata las identidades de figuras indígenas históricas que fueron deshumanizadas por la mirada colonial.

Su trabajo recontextualiza estos materiales, devolviéndoles agencia, historia y, sobre todo, nombre. Como ella misma afirma, se trata de "rellenar los huecos de la historia con las voces que fueron excluidas".
Presencia internacional y legado artístico

La obra de Wendy Red Star ha sido expuesta en instituciones como el Metropolitan Museum of Art, el Portland Art Museum o el Mass MoCA, y forma parte de colecciones como las del Smithsonian National Museum of the American Indian. Además de su carrera artística, Red Star es una activa promotora de la educación cultural y la inclusión de perspectivas indígenas en el ámbito artístico contemporáneo.

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