El hogar del "Garbage Plate" - Entrevista con Amy Pak, ganadora del concurso de paisaje urbano

De los recuerdos locales al reconocimiento internacional: cómo una cafetería histórica inspiró el galardonado gouache de Amy

Cuando Amy Pak decidió participar en el Concurso de Paisaje Urbano de Domestika, no se limitó a presentar un cuadro, sino que capturó un trozo del alma de su ciudad. Su obra ganadora, Home of the Garbage Plate, es más que la representación de un edificio: es un sentido homenaje a Nick Tahou's, un restaurante centenario famoso por su emblemático plato y por los recuerdos que guarda en su comunidad.

Para Amy, esta obra de arte era una forma de preservar la belleza agridulce de un lugar que ha vivido tiempos mejores, pero que sigue teniendo un lugar especial en su corazón. "Me gusta pintar escenas de mi pueblo y mi ciudad, sobre todo las que tienen historia y recuerdos", dice. "La zona ha cambiado y está cada vez más deteriorada, lo que me produjo una sensación de melancolía. Este concurso me dio la oportunidad perfecta para plasmarlo".

Trabajando con gouache, un medio que ha adoptado en el último año y medio, Amy equilibró hábilmente el realismo con toques impresionistas, lo que permitió que la obra evocara tanto la nostalgia como la sensación del paso del tiempo. Su proceso creativo combina la fotografía, el dibujo y la observación aguda, siempre dispuesta a capturar esos momentos fugaces en los que la luz da en el clavo o una escena cuenta una historia que merece la pena recordar.

Lea la entrevista completa de Amy Pak para descubrir cómo desarrolló su estilo único, superó los retos creativos y encontró la confianza en sí misma a través de la competición.
- ¿Puede decirnos en qué se inspiró para crear el proyecto ganador? ¿Qué historia o emoción querías transmitir?

Me gusta pintar escenas de mi ciudad, sobre todo las que tienen historia y recuerdos. Nick Tahou's es un restaurante que lleva más de 100 años en el centro de mi ciudad. No sólo he comido su famoso "Plato Basura" varias veces a lo largo de mi vida, sino que la zona también ha cambiado y tiene un aspecto más deteriorado, lo que me creó una sensación de melancolía. Hacía tiempo que quería pintar una escena de este lugar, y este concurso me dio la oportunidad perfecta para hacerlo.

- ¿Cuál es tu proceso para desarrollar ideas originales desde cero?

Hay composiciones interesantes por todas partes; sólo tienes que tener los ojos abiertos para verlas y la cámara disponible para documentarlas. Desde algo tan complicado como una multitud en un carnaval de noche con las luces de neón hasta un simple nido de pájaros vacío en el suelo, si encuentro que el tema cuenta una historia, haré fotos y las recopilaré en archivos para futuros cuadros. A veces significa utilizar varias fotos en la composición de un cuadro. Si estoy conduciendo y la luz golpea un paisaje o un edificio de la forma adecuada, o si estoy en un lugar interesante que quizá no vuelva a visitar en mucho tiempo, me paro y saco unas cuantas fotos. Justo un mes antes de descubrir este concurso, tomé por casualidad la foto de Nick Tahou en un día desapacible.

También he hecho temáticas en las que un grupo de cuadros sigue un tema. Hace poco hice una serie de tres cuadros que representaban diversos aspectos de la provisión de Dios y otra de cuatro pequeños cuadros de alimentos o artículos que se encontrarían en la mesa del desayuno.

- ¿Empiezas con un boceto, un tablero de inspiración u otra cosa?

Por lo general, creo un boceto para exponer mis ideas y lo modifico hasta que estoy contento con él. A veces pongo mis fotos en Photoshop y juego con ellas hasta crear la composición que busco. También escribo notas en el boceto para acordarme si tengo una idea repentina que no quiero olvidar, como una elección de color o algo que quiero incluir.

- ¿Cómo definirías tu estilo y cómo ha evolucionado?

Es una buena pregunta. Hace poco, un artista me dijo que me consideraba un "realista impresionista", ¡y estoy de acuerdo! En mis años mozos pintaba sobre todo realismo, pero ahora que acabo de volver a pintar estos últimos años tras décadas de dejar de lado las bellas artes para criar a una familia, he seguido otros estilos artísticos como el impresionismo. Sin embargo, como me ha costado desprenderme de los detalles (y de los pinceles más pequeños), los dos se han fusionado y me encuentro combinando realismo e impresionismo la mayor parte del tiempo.
- ¿Qué herramientas o técnicas has utilizado para dar vida a tu proyecto? (Tradicional, digital, técnica mixta, etc.)

Un medio que es nuevo para mí es el gouache. Llevo un año y medio pintando con ella, ¡pero me encanta! Me gusta cómo se extiende sobre el papel de acuarela gruesa, y para este proyecto, yo era capaz de utilizarlo muy diluido para el cielo. Continué usándolo como acuarela para la pintura de fondo, pero empecé a usarlo en una consistencia más espesa para las siguientes capas y detalles. Me encanta lo bien que se mezcla la aguada, así como su capacidad para pintar oscuro sobre claro y claro sobre oscuro. Tampoco me importa que a veces se vean mis trazos a lápiz, es casi como si captara un atisbo de las primeras fases de una obra en evolución.

- ¿A qué retos te enfrentaste al crear tu obra para el concurso y cómo los superaste?

Trabajar con una paleta limitada a veces puede plantear problemas a la hora de conseguir determinados colores. Sin embargo, he llegado a la conclusión de que si los valores están ahí y los colores son homogéneos, el espectador rellena los espacios en blanco. Un ejemplo es cuando necesitaba verdes para los árboles y el follaje. Mis colores seguían el espíritu de la paleta de Zorn, con Deep Lake Orange (en lugar de Vermillion), Payne's Gray (en lugar de Ivory Black), Titanium White (en lugar de Lead White) y Yellow Ochre. El Payne's Gray se inclina más hacia un tono azul, por lo que al mezclarlo con Yellow Ochre se conseguía un efecto algo desaturado de tonos caqui y oliva apagados. Dicho esto, cuando los ves en la imagen, tu ojo te dice que son árboles verdes y follaje, y los colores juegan bien con el resto de la escena.

Otra situación con la que me topé fue el hecho de que mi foto de referencia tenía poco color interesante en el lado izquierdo. Como el semáforo estaba iluminado de amarillo en una "carcasa" amarilla (cabeza de señal) y la pintura amarilla que tenía que utilizar era ocre (que suele ser terrosa y apagada), opté por hacer que las luces rojas fueran las iluminadas y que uno de los coches también fuera rojo.

- ¿Cómo consigues que tus proyectos sigan siendo auténticos y personales en un mundo lleno de tendencias visuales?

No sé muy bien cómo responder a esto... Sé que encuentro inspiración en muchos sitios, y gran parte de mis estilos artísticos son diversos, sobre todo dependiendo del medio que utilice en cada momento. Aunque sólo llevo tres años volviendo a pintar, me sorprende cómo han crecido y se han transformado mis estilos. Tiendo a pintar lo que me hace feliz, ¡diría que eso me refleja personalmente! Y en cuanto a la autenticidad, sigo trabajando en ello y aprendo de lo que me dice algo, ya sea tendencia, clásico o vintage. Sea lo que sea, me he dado cuenta de que aunque me inspire en algo que veo, mi propia voz sigue apareciendo lo suficiente como para que la gente reconozca mi "look", ¡aunque yo no lo vea necesariamente así! Sólo espero que mi arte pueda inspirar también a otros para que prueben algo que vean en lo que yo he hecho y enriquezcan su repertorio a medida que crecen como artistas.

- ¿Sigues alguna rutina o ritual que te ayude a mantenerte creativa y productiva?

Pinto con regularidad, ¡tan a menudo como puedo! Cuantos más kilómetros de pincel acumules, más mejorarás con la práctica. Intento desafiarme a mí mismo con situaciones diferentes (probar nuevos medios, cambiar una escena diurna por una nocturna, alternar entre referencias fotográficas y naturalezas muertas, etc.). También me aseguro de estar entre otros artistas en una comunidad; hay mucho estímulo con otras personas de ideas afines. También espero participar en más retos y concursos.
- ¿Qué artistas han influido más en su obra y por qué?

Siempre me ha gustado el realismo de Norman Rockwell; me encanta cómo retrata la vida cotidiana y la emoción que pone en sus obras. Otros son N.C. Wyeth y Andrew Wyeth, por su aire casi etéreo y sus colores más apagados. Últimamente me han influido mucho James Gurney, John Pototschnik y Richard Schmid. Me encanta su suave sentido del realismo y su pincelada ligeramente más suelta.

- ¿Qué consejo le darías a alguien que está empezando y quiere desarrollar su propio estilo?

Sigue practicando. Intenta pintar o hacer bocetos a diario. Yo utilizo cuadernos de bocetos para la mayoría de mis témperas y muchos de mis acrílicos. Haz estudios de los maestros que te hayan impactado y retoma los aspectos que más te gusten. A medida que desarrolles tu propio estilo, puede que te des cuenta de que empiezas a adaptar de forma natural nuevas técnicas o principios gracias al estudio y la imitación de lo que has aprendido de quienes te han precedido.

- ¿Qué significa para ti ganar este concurso y cómo influye en tus objetivos como artista?

Sinceramente, me sentí ganadora de este concurso por el mero hecho de presentarme y participar: ¡es el primer concurso en el que participo desde hace más de 40 años! La verdad es que no esperaba ganar. Aun así, el hecho de haber sido elegida ha sido muy reconfortante y me ha dado mucha confianza. Esto me ha animado a plantearme participar en más concursos, así como a buscar galerías y exposiciones, y a crear un sitio web para vender mis obras. Gracias, Domestika, por la oportunidad que nos has brindado de participar: ¡ha sido una experiencia maravillosa!

¿Te sientes inspirado? Tu historia podría ser la siguiente. Participa en nuestros próximos concursos creativos en Domestika y comparte tu visión con el mundo. Quién sabe, puede que seas el próximo ganador.

estitxu